Trois artistes, plusieurs oeuvres possibles
| Noms des artistes | PAOLO CALIARI, DIT VÉRONÈSE |
SOPHIE TAEUBER-ARP |
BILL VIOLA |
| Oeuvres ciblées | Fresques de la Villa Barbaro à MASER 1560-‐1561 | 3 oeuvres 1916, 1928 et 1936 | Oeuvres vidéos de 1977 à 2012 |
| Liens vers les cours | http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/terminale/option-facultative-arts-plastiques/661-artiste-au-programme-limitatif-du-bac-2018-veronese |
http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/terminale/option-facultative-arts-plastiques/640-artiste-au-programme-limitatif-du-bac-2018-sophie-taeuber-arp-4 |
http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/terminale/option-facultative-arts-plastiques/590-artiste-au-programme-limitatif-du-bac-2018-bill-viola |
L'artiste et ses collaborateurs
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Paolo Caliari, dit Véronèse (1528-1588) est un peintre maniériste italien. Il commence par travailler dans l’atelier de son père, architecte et tailleur de pierre. En 1552, il réalise la « Conversation sacrée » pour l’église San Francesco della Vigna à Venise. Il est nommé « Peintre de la République » et participe à l’élaboration des fresques des salles du conseil des Dix au palais des Doges. En 1562, il réalise « Les Noces de Cana » ainsi que les fresques de la Villa di Maser, réalisation d’Andrea Palladio. En 1573, il est condamné par l’Inquisition pour les libertés de facture qu’il prend notamment dans « Le Repas chez Lévi ». Il est surpris par les figures peintes qui l’interpellent. Les rôles sont inversés, le regardeur devenant le regardé, étant sous le regard des divinités éternelles qui, en haut des murs et sur les plafonds et plus particulièrement dans la Sala dell'Olimpo, sont assis autour du ciel et semblent observer le théâtre tragique des mortels. Le spectateur finit ainsi par être englobé dans l'œuvre d'art elle- même : deux temps se superposent = il observe, mais il est aussi observé. Le décor pictural marque l'apogée d'un courant illusionniste qui a été inauguré par Andrea Mantegna dans la Chambre des Époux au palais ducal de Mantoue. |
Sophie Taeuber est une artiste, peintre et sculptrice suisse ayant participé aux mouvements Dada puis surréaliste avec son époux Jean Arp. Son œuvre, marquée par la géométrie et le rythme, prend vie sous dans des formats à deux dimensions (tableaux, travaux sur tissu), à trois dimensions (sculpture, reliefs) et le spectacle vivant (danse, théâtre). Sophie Taeuber étudie les arts appliqués à Saint-Gall, Munich et Hambourg et grâce à son amie Mary Wigman, elle découvre la danse d'expression. Elle prendra des cours sous la direction du chorégraphe Rudolf von Laban. Elle s'installe à Zurich en 1915, année où elle rencontre Jean Arp et participe avec lui au mouvement Dada. Son talent de danseuse lui ouvre les portes du cabaret Voltaire. Cependant elle doit utiliser un pseudonyme et danser masquée, car les danses pleines d'inventions, de caprices et de bizarreries qu'elle offre en spectacle, ne sont pas en accord avec l'École des Arts décoratifs de Zurich où elle enseigne de 1921 à 1929. Sophie Taeuber – Arp (1889-1943) est très souvent associée aux oeuvres de Jean Arp, son mari. Par réelle complicité ou parce qu’encore à son époque, le statut de la femme artiste est peu reconnu. Elle collabora aussi avec Théo Van Doesburg et Jean Arp, pour l’Aubette par exemple. La proximité, la collaboration et le travail en duo avec Jean Arp (abstraction organique, reliefs en bois peint) ont d'ailleurs entraîné une influence réciproque. En 1930, Sophie Taeuber-Arp participe à la naissance du groupe "Cercle et Carré" créé par Michel Seuphor et Joaquin Torrès-Garcia (1930), "Abstraction-Création" avec Auguste Herbin et Georges Vantongerloo (jusqu'en 1934) puis en 1937, au groupe suisse "Allianz" avec Max Bill et Léo Leuppi ainsi qu'à la création de la Revue internationale d'art contemporain, "Plastique" (ou "Plastic/Plastique", 1937-1939). Elle continue d'aménager des appartements (projet non réalisé de la maison Müller-Widmann, Bâle, 1933 ; logement Hilberseimer, 1935, Berlin). Elle entame, en 1936, une série de reliefs en bois, partiellement découpés et peints à l'huile. Elle participe, en 1937, à l'exposition des "Constructivistes" au Kunstmuseum de Bâle, qui lui assure une renommée internationale, et expose avec Jean Arp à Paris, en mai 1939, à la Galerie Jeanne Bucher. En 1940, le couple quitte leur maison de Clamart-Meudon (avant la prise de Paris par les troupes allemandes) pour Grasse puis Zürich où elle réalise des lithographies et gravures à plusieurs mains, avec Jean Arp, Sonia Delaunay et Alberto Magnelli. En 1943, elle meurt accidentellement à Zürich, à l'âge de 54 ans. |
Bill VIOLA est né en janvier 1951 à New-York. Formé à la Syracuse Université de New York et à l'Experimental Studios, atelier mené par Jack Nelson, l’un de ses professeurs va lui permettre de se saisir de la vidéo, qui ouvre une période de travail spécifique jusqu’en 1979, période définie sous le signe de la vidéo structurale. Son mentor n’est autre que Nam June Paik, qui lui apprend notamment à « attaquer la télévision » pour mieux changer la vie. Il est l’un des rares artistes contemporains à être entrés au Musée des Offices de Florence. Il dit : « Je suis né en même temps que la vidéo ». Cette naissance/renaissance se traduit par tout d’abord des images mentales qu’il inscrit ensuite dans ses nombreux carnets et cahiers. Son épouse Kira PEROV est sa collaboratrice depuis 1978. Elle est le directeur exécutif de Bill Viola Studio. Elle a travaillé en étroite collaboration avec Bill Viola, son mari e partenaire depuis 1979, et s’occupe de la gestion, d'aider à la production de l'ensemble de ses vidéos et installations, et de photographier le processus. Elle édite toutes les publications Bill Viola, le choix des matériaux de son vast archive et la collaboration avec les professionnels des musées et des designers. Elle organise et coordonne des expositions de l'œuvre dans le monde entier. Ensemble, ils quittent rapidement New York, pour s’installer dans le désert californien, car Bill Viola croit définitivement aux mirages.
« Le paysage est le lien entre notre moi extérieur et notre moi intérieur. » C’est pour cela que l’espace des images de Bill Viola est toujours conç comme « interne », qui manque d’ouverture. Une « fenêtre ouverte » vers l’altérité, conjoint et continu entre le spectateu et l’œuvre. Le lieu de l’œuvre est en réalité le corps sensible du spectateur. «Le véritable lieu dans lequel l’œuvre existe n’est pas la surface de l’écran ou l’espace clos par les murs de la pièce, mais l’esprit et le cœur de l personne qui l’observe». Le spectateur du cycle fait l’expérience directe de lui-même et le véritable thème des vidéos qu’il observe est l’émotion. Il se crée ainsi une confusion entre celle du spectateur se et l’émotion mise e scène rendant compte de l’instantanéité qui caractérise la réception du public définie comme réactive. |
Lieux de présentation, d'exposition
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Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse |
3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Villa Barbaro (Villa di Maser) La villa appelée villa Volpi (renard) est une villa veneta, c’est-‐à-‐ dire une résidence secondaire à la campagne pour les personnes issues de la noblesse ou de la haute bourgeoisie. Le terme villa est utilisé pour désigner la maison à la campagne et se distingue de celle de la ville : le palais. Les Barbaro possédaient environ quatre palais à Venise. La villa a été conçue par l’architecte Andrea Palladio entre 1550 et 1560 pour les frères Daniel et Marcantonio Barbaro à Maser. |
Espace public, devenu, après restauration, lieu muséal
https://www.musees.strasbourg.eu/aubette-1928
Espace muséal : Bas-relief est exposé au Musée d’art de Bâle :
Tapisserie : au Centre Pompidou Paris
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Espace muséal d’expositions. Chaque exposition est conçue par l’artiste et sa femme et collaboratrice Kira Perov. La muséographie change en fonction de chaque lieu mais tend à faire immerger et submerger le spectateur dans et par les images. Elles sont nombreuses et réparties partout dans le monde, la vidéo par essence se dématérialise et n’a pas de lieu fixe de monstration. Une même œuvre de Bill Viola peut être projetée à Paris et à Tokyo simultanément, et présentées différemment (projetées sur le mur ou sur des écrans, dans une pièce sombre ou pas, avec d'autres oeuvres ou pas...). |
Support - matérialité
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Technique de la fresque La fresque est une technique particulière de la peinture murale : sur un mur enduit (appelé « intonaco ») à la chaux fraîche (de l’italien « buon fresco »). La peinture murale classique est appliquée « a secco » (sur une ensuit sec). A la Renaissance, le procédé est redécouvert et permet de réduire les dépenses : une colonne peinte revient moins chère qu’une vraie. Palladio, ne mentionne pas les fresques de Véronèse dans ses textes. |
Design d'espace, architecture intérieure à l'Aubette : peintures murales, en aplat et vitraux Relief : relief en bois peint à l'huile, 50 x 68.5 cm, signé et daté sur le dos : SH Taeuber-Arp 1936. Tapisserie : petits points en laine sur canevas. La broderie crée ainsi un espace pictural, tout en interrogeant le motif à partir des formes abstraites et géométriques. Elle fait peinture, et est potentiellement réversible ou visible avec un recto et un verso.
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Il utilise principalement la vidéo Super 8 ou les bandes magnétiques, ses vidéos dites structurales n’avaient pas de sujet précis, la vidéo étant prise comme un moyen de communication, un objet de production esthétique. Son intérêt pour la musique le conduit à expérimenter et à associer de la vidéo au son, en se servant de synthétiseurs. Il a découvert les capacités plastiques du son à Florence dans les églises gothiques pleines de réverbérations. Ses images digitales interrogent le réel et le monde. |
Représentation - Présentation
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Afin de donner l’illusion de la profondeur, Véronèse introduit des jeux de masquage : personnage, statue, animal en avant ou en arrière d'une porte, d'une colonne ou d'une balustrade… Ces éléments traduisent des instants de vie. La présence d'un monde peint (la représentation, fictive) est en parallèle à celui des vivants (le réel), tout en reflétant les habitants de la famille Barbaro. Le spectateur se retrouve face à des architectures et des personnages à taille réelle. Il entre ainsi dans un monde symbolique par les fausses portes, à l'image des faux personnages. L’architecture a été réalisée par Andrea Palladio : architecte de la Renaissance italienne, ancien tailleur de pierre. Sa production architecturale est très riche et principalement concentrée en Vénétie, et vingt-‐quatre des villas construites dans cette région, ont été classées au patrimoine mondial de l’UNESCO en 1994-1996. Ses villas traduisent l’importance qu’il accorde à l’union entre la nature et l’architecture, mais également à une nouvelle conception de la beauté. Recréer un semblant de réalité révélant l'artifice, un moment d'illusion absolue suscitant surprise, émerveillement et joie chez le spectateur. Ce moment est éphémère car le mouvement du spectateur déforme et détruit l'illusion. Les espaces de la Villa Maser jouent entre vrais éléments d'architecture (entablement continu, frontons, portes et fenêtres) et architectures peintes, entre vrais objets et objets peints, entre vraies figures (famille Barbaro, serviteurs, chiens et chat, singe, perroquet) et figures peintes, entre vrais paysages environnants et paysages peints en continu.
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Sophie Taeuber-Arp développe un langage plastique abstrait. Aucune figuration dans ses oeuvres. La représentation se limite à des formes géométriques agencées par forme, taille, couleur et direction. Elle est dans la lignée du néo-plasticisme de Piet Mondrian (père de l’abstraction géométrique) et du groupe De Stijl (En 1917, à Leyde (Pays-Bas), Theo van Doesburg et Piet Mondrian et quelques autres créent la revue De Stijl (Le Style en néerlandais) et fondent le groupe du même nom). Ces formes géométriques donnent un langage universel à ses œuvres. L'ensemble de son oeuvre joue souvent sur la représentation d'un espace entièrement plan mais certaines œuvres en deux dimensions créent, par le jeu de la superposition, de la transparence ou de l'oblique, des effets de profondeur, de volume ou de perspective. Les trente années de création de Sophie Taeuber-Arp ont été traversées par une recherche constante sur les mêmes motifs abstraits, et cela au travers de tous les médiums utilisés : dessin (gouache préalable), broderie, tapisserie, peinture, vitrail, volume (petit objet, bijou, jouet, marionnette, Tête Dada, meuble, relief), décor mural, architecture, avec la volonté de rompre la hiérarchie des arts, d’œuvrer en collectif et d'intégrer l'abstraction dans la vie quotidienne. « Nous ne voulons pas imiter la nature. Nous ne voulons pas reproduire mais produire. Nous voulons produire comme la plante produit son fruit, et non pas reproduire. Nous voulons être immédiats, et non pas médiats. » Jean Arp |
Les problématiques fondamentales développées par l’artiste ont pour genèse un événement de son enfance. A l’âge de six ans, il est tombé d’une barque et a failli se noyer. Pendant sa perte de connaissance, son sentiment de plénitude totale et les images d’une beauté extraordinaire qu’il a vu sous l’eau n’ont cessées d’être déclinées dans son œuvre. Pour lui, l’eau est le lieu du commencement et de la fin. Il veut traduire des réalités universelles, une vision du monde. Bill Viola puise son inspiration dans les œuvres majeures de l’Histoire de l’Art et les textes fondateurs. L’image n’est plus représentation mais une présentation, elle se donne à voir comme vraie, comme une vera ikona (Le nom évoque la légende de Sainte Véronique qui recueille l'empreinte du visage du Christ, nommée veronicon, vraie image (vera ikona), laissée sur le Saint-Suaire lorsqu'elle l'essuya durant la montée au Calvaire) qui : « ne concerne pas tant la clarté visuelle ou le détail – il s’agit plutôt d’une fidélité à l’expérience, à l’existence. La sensation pleine de ce qui semble vraiment être là remplit totalement ton corps : ce que l’on perçoit comme si l’on était en train de respirer à ce moment-‐là. Ce sont les vraies “images” ». La précision dans la définition du contour des corps filmés, produit un effet de présence sur le spectateur par la conjugaison de l’apparence d’un objet et son concept. En liant le spectateur émotionnellement, Bill Viola le projette directement dans l’image. La mise en avant de l’expressivité originaire de l’homme, va produire un effet émotionnel persuasif, affirmatif même, sur le spectateur La disposition des écrans donne l’impression au spectateur de donner plus d’attention à l’effet histoire qu’à l’histoire elle-même. Cet effet est créé par la stimulation perceptive exercée sur les individus assistant au déroulement de la vidéo. Cette simple mise en scène donne à voir des corps qui ne se réfèrent pas à autre chose qu’à eux-‐mêmes. Le théâtre, art de l’écart et de la différence, est régi par le seuil de la fiction marqué par le cadre de la scène. Dans la vidéo, un tel seuil est supprimé. Nous avons le «devenir-image du personnage, le devenir-personnage de l’image». Le spectateur est plongé dans le noir, seul, ce qui privilégie la rencontre sensible avec l’œuvre.
Bill Viola fait l’expérience du ralenti lors de la retransmission d’un match de football. La décomposition des choses, des éléments, des émotions, la possibilité de regarder une chose impossible à voir dans le monde réel. Sa matière première est le temps. La lenteur est tellement présente que le mouvement devient presque absent. Son art permet la création de l’oxymore : chuter vers le haut (Going Forth by Day, « First Light », panneau 5), de jaillir vers le bas (The Reflecting Pool). Il se crée ainsi des infratemps, des temps morts insérés dans des espaces inertes. Le film dont l’unité d’image est le pixel permet d’entrer dans le tissu infinitésimal du mouvement. Il est ainsi possible de distendre 45 secondes en 12 minutes.
Bill Viola est l’un des premiers à avoir « installer » ses films dans l’espace d’exposition. Il pense chaque espace: la taille de l’écran, l’inclinaison, le mode d’accrochage, et de ce fait la place du spectateur. Celui-ci a ainsi l’impression d’être immergé, voire submergé par les images.
Les êtres qu’il montre s’exposent. Cette exposition est intensifiée par le ralenti. La question du temps est fondamentale dans ses surexpositions. Mais également celle de la lumière de la vidéo projection qui permet de matérialiser l’image. Il permet ainsi de transfigurer des gouttes d’eau en suspension qui deviennent des étoiles gravitant. |
Les significations
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Le programme iconographique associe : la culture antique (scènes mythologiques, dieux olympiens, nymphes et muses, scènes allégoriques, vocabulaire architectural) et la culture chrétienne (scènes religieuses, Sainte Famille) afin d’évoquer la culture, la foi, l'amour, la famille et le domaine agricole des frères Barbaro en les associant à l’Harmonie, et aux Vertus. La palette de couleurs est claire et lumineuse (architectures et sculptures blanches en trompe-‐l’œil, ciels bleutés… ) Les couleurs des vêtements, et des tentures ; et les dorures des statues et des objets viennent contraster avec l’ensemble. Partout, l'espace architectural est questionné, et se poursuit de manière illusoire et fictive dans les peintures. Les représentations illusionnistes qui se donnent à voir par fenêtres peintes rivalisent avec les fenêtres et les vues réelles et cherchent à démontrer la supériorité de l'art. Il y a une fusion entre plusieurs espaces et plusieurs temps :
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Son œuvre à travers de nombreux domaines se nourrissant réciproquement (langages, esthétiques, avancées respectives : peinture, sculpture, danse, architecture, architecture d'intérieur, arts décoratifs...) est une passerelle entre les arts. Elle fonde et édite aussi la revue Plastique/PLASTIC. Les formes, lignes, couleurs, rythmes, directions... sont autant de langage universel, primaire, parlant à tous. La place du rêve et de la nuit constitue l’un des épicentres de la pratique de l’artiste en créant un jeu entre visible et invisible où ce dernier est le vainqueur sur le premier. « En décembre 1915 j’ai rencontré à Zurich Sophie Taeuber qui s’était affranchie de l’art conventionnel. Déjà en 1915 Sophie Taeuber divise la surface de ses aquarelles en carrés et rectangles qu’elle juxtapose de façon horizontale et perpendiculaire. Elle les construit comme un ouvrage de maçonnerie. Les couleurs sont lumineuses, allant du jaune le plus cru au rouge, ou bleu profond. Dans certaines de ses compositions elle introduit à différents plans des figures trapues et massives qui rappellent celles que plus tard elle façonnera en bois tourné. » Jean Arp - Jours effeuillés
Elle a été professeur à l’école des dentellières à Saint-Gall et à la Kunstgewerbeschule (École des Arts appliqués) de Zürich où elle a enseigné la composition, la technique du tissage et de la broderie et a dirigé la section textile. Elle se lie ainsi d’amitié avec l’architecte Adolf Loos et découvre les recherches de Worringer, historien. Ce métier constituait un revenu permettant aux deux artistes de poursuivre leur pratique.
Le Groupe Abstraction-création : « Abstraction, parce que certains artistes sont arrivés à la conception de la non-figuration par l'abstraction progressive des formes de la nature. Création, parce que d'autres artistes ont atteint directement la non-figuration par une conception d'ordre purement géométrique ou par l'emploi exclusif d'éléments communément appelés abstraits, tels que cercles, plans, barres, lignes, etc. » Sophie Taeuber-Arp.
L'art concret Sophie Taeuber-Arp s’inscrit comme l’une des pionnières de cet art. L’une des affirmations fondamentales de l’art concret est l’objectivation d’une idée créatrice dans une forme rigoureusement déterminée. Sa pratique résulte d’un processus de transposition des problèmes individuels dans les signes objectifs de l’art, où les contradictions prennent forme en harmonies perceptibles au regard. Les techniques vont de l’aquarelle à la peinture à l’huile. Elle crée ce qu’elle nomme des « Tableaux à Espace » : des réalités spatiales constituées d’une étendue à deux dimensions. |
MIROIR DU MONDE En 1976, Rosalind Krauss affirmait dans Video : The Aesthetics of Narcissism, que le narcissisme est tellement endémique dans l’art vidéo qu’elle le considérait comme «la condition du genre dans son ensemble». La psyché humaine est le canal de l’art de la vidéo et le corps en est l’instrument, le mécanisme narcissique s’oppose au mouvement projectif d’empathie susmentionné. Le mythe ovidien raconte l’histoire d’un jeune homme se penchant sur une étendue d’eau et découvrant un beau visage masculin qui n’est autre que le reflet de lui-‐même, mais cela, Narcisse l’ignore. Bill Viola affirme que «l’une des choses dont il est important de se rendre compte dans l’histoire de Narcisse est que son problème n’est pas qu’il a vu son propre reflet, est qu’il n’a pas vu l’eau. » L’utilisation du miroir dans «Slowly Turning Narrative», fait apparaître le reflet du spectateur dans l’œuvre. L’utilisation fréquente des projections monumentales donnent à voir de réelles fresques, miroirs du monde. SCULPTER LE TEMPS Le rapport au temps est également prépondérant : « la conscience de la temporalité et celle de la séparation entre sujet et objet sont simultanément submergées. Le résultat de cette submersion est, pour celui qui fait et celui qui regarde la plupart de l’art vidéo, une sorte de chute sans poids à travers l’espace suspendu du narcissisme » R. Krauss, Video : The aesthetics of narcissism. Le temps devient le sujet-même de l’oeuvre et se réfléchit lui-même de manière tautologique. “Bill n’a aucun sens du temps réel” Kira Pero IMAGE ACHEIROPOÏÈTE L’image n’est plus représentation mais une présentation, elle se donne à voir. POÉTIQUE DU CORPS Il y a un réalisme optique qui caractérise à chaque instant les corps presque taillés dans l’écran, comme s’il s’agissait de portraits naturalistes. |
Mécènes, commanditaires et donateurs
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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La famille Barbaro est très influente à Venise. Daniele Barbaro est un noble, cardinal de l’Eglise catholique, recteur de l’université de Padoue puis ambassadeur en Angleterre et écrivain. Il a traduit notamment en italien « Les dix livres d’architecture » de Vitruve. A la mort de son père, avec son frère Marcantonio, qui est ambassadeur de la sérénissime auprès de Catherine de Médicis puis à Constantinople, ils décident de confier à Palladio la réalisation de leur villa. Véronèse qui a réalisé les fresques a également réalisé de nombreux portraits de Daniele. |
L’un des collectionneurs les plus engagés de l’art concret était Marguerite Hagenbach. Elle a été l’une des premières à acheter des œuvres de Sophie Taeuber. Elle deviendra la deuxième madame Arp |
Les commanditaires sont généralement les commissaires d’expositions conçues partout dans le monde. Par exemple, pour la dernière œuvre de Bill Viola : Martyrs, une vidéo destinée à la St Paul’s Cathedral, qui a été dévoilée le 21 mai 2014 et diffusée par quatre écrans est la première des deux œuvres disposées derrière le vast autel de la cathédrale londonienne. Sa commande avait été annoncée dès 2009. D’après the Art Newspaper, elle aurait coûté 2M$ à son commanditaire Par ailleurs, c’est la première fois que le médium vidéo est exposé de manièr permanente dans une église britannique. La dernière exposition en France s’est déroulée de mars à juillet 2014, et est la plus grande consacrée à l’artiste. Celle-‐ci n’est pas considérée par le couple comme rétrospective mais introspective. |
Les oeuvres importantes de ces artistes
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
https://www.louvre.fr/oeuvre-notices/les-noces-de-cana
https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objects?q=verone&p=1&ps=12&st=Objects&ii=0#/SK-A-4011,0
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Spectacles de danse (arts vivants), costumes... Voir le dossier sur l'article consacré à l'artiste : http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/terminale/option-facultative-arts-plastiques/640-artiste-au-programme-limitatif-du-bac-2018-sophie-taeuber-arp-4#dossier-realise-par-marie-rousseau-rennes |
The Reflecting Pool (1977-79), The Dreamers (2013) : films vidéos (Chott El Djerid (A Portrait in Light and Heat), 1979), installations monumentales (The Sleep of Reason, 1988), portraits sur plasma (The Quintet of the Astonished, 2000), pièces sonores (Presence, 1995), sculptures vidéos (Heaven and Earth, 1992), œuvres intimistes (Nine Attempts to Achieve Immortality, 1996) ou superproductions (Going Forth By Day, 2002). Tous les genres de l'œuvre de Bill Viola sont là, et toutes ses grandes séries emblématiques, des Buried Secrets du pavillon américain de Venise en 1995 (The Veiling) aux Angels for a Millennium (Ascension, 2000), des Passions (Catherine's Room, 2001) à The Tristan Project (Fire Woman et Tristan’s Ascension, 2005), des Transfigurations (Three Women, 2008) aux Mirages (The Encounter, 2012). |
Le public (rapport au spectateur)
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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À l'extérieur la Villa et le nymphée s'affirment comme des théâtres. À l'intérieur, l'espace se construit comme un lieu théâtral avec ses colonnes, ses frontons et ses masques.
Le spectateur est confronté à sa propre image ; il entre par une vraie porte et bascule par les fausses portes dans un monde d'illusion. |
« Dans les travaux que Sophie Taeuber m’a montrés peu après notre première rencontre, les matériaux utilisés étaient également la laine, la soie, l’étoffe et le papier. Mais, à cette époque, Sophie avait déjà été détruit la plupart de ces travaux, car elle recherchait de nouvelles solutions dans l’art. Sa pureté spirituelle et son amour de l’artisanat la conduisaient déjà, dans ses premières compositions abstraites, aux plus grandes simplifications… (…) Sophie Taeuber était l’un des êtres les plus modestes que j’aie jamais rencontrés. Elle jugeait ses travaux encore plus sévèrement que je ne le faisais pour les miens. Elle ne les montrait pas volontiers et ne voulait ni les exposer ni les publier. » Jean Arp |
Les installations sont conçues comme des espaces invitant les spectateurs s’immerger pour ressentir les émotions. Il se crée ainsi un rapport d spectateur à la perception du temps, du mouvement et du pictural. Bill Viola utilise pour cela des objets (miroirs, moniteurs multiples rétroprojecteurs, écrans monumentaux, barils,…) ou l’architecture elle-même (corridor : Passage, 1987). La place du spectateur est prépondérante et son immersion dans ce que Viol appelle lui-même le réalisme des sensations, des émotions, des perceptions et des expériences semble constituer l'axe central du travail de l'artiste. Le spectateur pose ainsi un regard introspectif sur lui-même : "qui suis-je ?" et les relations à l’inconscient, "où suis-je ?" et la place au monde, a cosmos ; et enfin "où vais-je ?" et la question du voyage. LA MISE EN ABYME Le paysage qui entoure le spectateur comme le ferait un environnement es également l’extension de son corps sensible, le paysage se présentant comme une intensification du corps. |
Autres références à mettre en lien
| Fresques de la Villa Barbaro à MASER de Véronèse | 3 oeuvres de Sophie Taeuber-Arp |
Oeuvres vidéos de Bill Viola |
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Oeuvres textiles sur cette page (sujet 7) Autres oeuvres au musée de Bâle : suivre ce lien
Atelier de Sophie Taueber et Jean Arp : http://www.fondationarp.org/l-atelier-de-jean-et-sophie.html Mondrian et le néo-plasticisme :http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-mondrian/ENS-mondrian.html Oeuvres et mouvement DADA : http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-dada/ENS-dada.htm |
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Représentation
Présentation
Architecture
Ce terme désigne l’art de construire les édifices.
« L’architecture est celui des Beaux-Arts dont les œuvres, conçues et exécutées dans l’espace à trois dimensions, sont des édifices ayant une destination fonctionnelle précise, en rapport avec les grandes activités matérielles, sociales ou spirituelles de la vie humaine (temples, habitations, palais, etc)». Étienne Souriau (1892-1979), Vocabulaire d’esthétique, Paris, Presses Universitaires de France, 1990, Quadrige, p. 160.
Voir l'affiche sur ce domaine artistique (en téléchargement).
Installation
L’installation est un déploiement d’objets ou de sculptures dans un espace formant un tout.
Lorsque l’œuvre est spécialement conçue pour un lieu et entre en relation avec celui-ci, elle est nommée « in situ ». Voir la définition d'in situ.
Contemporain
Désigne l'art de son époque. Ainsi, l'art contemporain de ses parents n'est pas la même que le sien, ni plus tard que celui de nos enfants.
D'une manière plus globale, l' « art contemporain » désigne l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours. Dans cette classification, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.
Perspective
En histoire de l’art, ce terme désigne les procédés de représentation de la profondeur spatiale et des objets en trois dimensions sur un support en deux dimensions. C’est avec la Renaissance, à partir du XVe siècle en Italie, que la perspective fait vraiment l’objet d’une recherche scientifique. Brunelleschi et Alberti, deux artistes de cette période, mettent au point une théorie suivie et adaptée ensuite par les peintres. La perspective se construit de façon mathématique.
Léonard de Vinci développe ce qu’on appelle la perspective atmosphérique : les objets lointains ont des contours plus flous, les contrastes s’estompent et les couleurs deviennent bleutées. La question de la représentation de la perspective est liée à l’idée que l’art doit imiter la nature ; cette idée domine la création artistique en occident, de la Renaissance jusqu’au XIXe siècle.
Mots associés :
- Isométrie
- Axonométrie
- Cavalière
- Point de fuite : voir les explications sur ce site
- Linéaire
- Atmosphérique
- Perspective hiérarchique : Différences d'échelle reflétant la hiérarchie entre des personnages.
Bas-relief
Dans le champ de la sculpture, œuvre dont le relief se dégage d’un fond plat. Un bas-relief, à la manière d’une peinture se regarde de face (point de vue frontal) et non, comme le serait une sculpture en ronde-bosse, sur toutes ses faces (points de vue multiples).
Voir aussi à sculpture, haut-relief, ronde-bosse et pratiques tridimensionnelles.
Tapisserie
La tapisserie est un tissu fabriqué sur un métier à tisser ou bien à la main, dont le tissage représente des motifs ornementaux. Cet art existe depuis l'Antiquité.
Le tissage se compose de deux ensembles de fils entrelacés, ceux parallèles à la longueur, les fils de chaîne, et ceux parallèles à la largeur, les fils de trame. Les fils de chaîne sont mis en place sous tension sur un métier, et le fil de trame est transmis par un mouvement mécanique de va-et-vient sur tout ou partie de l'ouvrage. La tapisserie est une réalisation textile décorative d'ameublement se classant dans les arts décoratifs.
Sculpture
La sculpture (du latin sculptura, de sculpere, tailler, graver) est l'art de produire, des volumes en 3 dimensions et des reliefs, soit en taillant au moyen du ciseau la matière dure, telle que le bois, l'os, l'ivoire, l'ambre, le fer, toutes les pierres (marbre), soit en façonnant (modeler) une pâte molle (argile), soit en coulant (mouler ou fondre) des matières comme le plâtre, le bronze, la cire dans des moules ciselés ou modelés d'avance.
Voir aussi à assemblage, modelage, moulage, taille directe, bas-relief, haut-relief et ronde-bosse, pratiques tridimensionnelles.
Réalisme
Désigne un mouvement artistique, ne regroupent que quelques artistes qui gravitent autour du peintre Gustave Courbet. Le mot même de "réalisme" apparaît, en 1836 dans la chronique de Paris, sous la plume de Gustave Planche.
Les artistes réalistes représentent la nature, telle qu'ils la voient et la vie quotidienne. Il est possible, parfois, d'y déceler un désir d'ennoblissement du monde quotidien.
Peinture
Pratique bidimensionnelle, peindre est souvent considéré comme un remplissage. Peindre sans dessiner au préalable permet de faire évoluer cette représentation et de faire des choix en fonction d'intentions. Explorer la peinture en termes de formes, de passages d’une couleur à l’autre... permet de travailler avec la diversité des couleurs et d'apprendre à fabriquer ses propres couleurs. La peinture est également envisagée pour sa matérialité, son épaisseur. Elle peut se déposer en couches épaisses (empâtement) ou très liquides (glacis). Elle laisse voir les gestes et les traces des outils utilisés.
Le peintre Pierre Soulages « conçoit ses couteaux à peindre avec des morceaux de semelle de cuir, des raclettes de caoutchouc, de vieux pinceaux rigidifiés par la peinture, des tiges de bois, des planches brisées, toutes échardes dehors, d’autres encore entourées de chiffons... ». Cité dans le dossier du Centre Pompidou Paris
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Mots associés :
- Techniques de peinture : peinture à l'huile, peinture acrylique, gouache, peinture vinylique, techniques mixtes
- Touche du peintre (trace)
- Glacis # Empâtements
- Châssis (format)
- Chevalet
- Palette
- Les supports : toile, bois, carton, tissu, roche...
- Les outils : pinceau, couteau, brosse, doigt...
- Atelier # Pleinairisme
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Matière
Le bois, le fer, le papier, la toile etc. sont des matières, appelées matériaux à partir du moment où elles sont utilisées au sein des œuvres.
Traditionnellement en sculpture, marbre, grès, bois, etc. étaient utilisés. Les matériaux se sont ouverts à la diversité au cours du XXe siècle : plexiglas, plâtre, acier, béton etc. L'artistes se montrent attentifs, utilisent, révèlent, jouent, mettent en valeur les propriétés de la matière. Cette même réflexion vaut pour les œuvres bi-dimensionnelles, où l’on prêtera particulièrement attention à la diversité des matières comme médiums : peinture à l’huile, peinture acrylique, gouache, aquarelle, encres mais aussi marc de café, thé, matières visqueuses (goudron, émail chez certains artistes), etc.
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Lumière
La lumière joue un rôle essentiel dans la perception de l’œuvre : elle la rend visible. Selon ses qualités, elle donne aux surfaces et aux couleurs des apparences différentes et produit des ombres essentielles à la compréhension des volumes en sculpture ou en architecture.
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Caprices
Abstrait
Harmonie
Il existe 4 types d'harmonies colorées, inspirées des harmonies musicales ou poétiques :
- assonance
- dissonance
- consonance
- imitative
Couleur
La couleur est liée à la perception, aux propriétés physiques et à la dimension culturelle. Il y a un nombre infini de couleurs.
La couleur, lorsqu’elle est liée à la figuration, peut s’éloigner du strict rôle d’identification (« le ciel est bleu, les toits sont rouges... »). Il est intéressant d’évoquer les couleurs présentes en architecture ou sur certaines sculptures, avec notamment une réflexion sur la restauration lorsqu’il s’agit des couleurs souvent disparues des statues grecques antiques, ou des façades des cathédrales, entièrement peintes. Dans l’usage courant, certaines couleurs sont associées à des émotions ou des sentiments : le rouge pour la colère, le bleu pour la peur, etc. La couleur peut être choisie indépendamment de ces représentations, celles-ci variant selon les sociétés.
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Support
Contour
Fresque
Technique de peinture murale particulière, sur enduit encore frais (humide).
La vraie peinture à fresque, ou buon fresco, demande que la plupart des pigments soient des couleurs terre en suspension exclusivement dans l'eau, et qu'ils soient posés sur un enduit de chaux encore humide. On n'emploie pas de chaux pure pour la peinture à fresque, car elle se resserrerait et craquerait. Pour éviter cet inconvénient, on la mélange d'habitude à du sable, à de la pierre finement pilée (souvent du marbre) ou à une substance organique fibreuse. Au fur et à mesure que l'enduit sèche, une fine pellicule se forme. Au contact de l'air, la chaux qui compose l'enduit humide et qui est à l'état d'hydrate de calcium se transforme progressivement en carbonate de chaux. Au cours de ce processus chimique, la chaux absorbe de l'acide carbonique contenu dans l'air et se cristallise. Elle incorpore ainsi les particules de pigment, et il en résulte une surface peinte dure et résistante.
Atelier
L'atelier est le lieu de travail d'un peintre, d'un sculpteur, d'un artiste, etc. C'est aussi l'endroit clos et couvert où l'ouvrier travaille et place ses outils.
Idéalement l'atelier doit prendre jour du côté du nord. Dans cette direction, l'artiste peut travailler à toute heure du jour sans être incommodé par les rayons du soleil. De plus la lumière prise de ce côté est plus égale et plus franche que toute autre.
Le jour d'atelier est le jour le plus propre à éclairer un tableau, une statue.
Dessin
Le dessin est une pratique bidimensionnelle fondamentale en art. Elle se décompose en réalisations de techniques, de natures et de statuts différents.
Elle est toujours actuelle ! Le dessin contemporain a son salon https://www.drawingnowparis.com/
Dessiner est souvent perçu comme la volonté de représenter ce qui est observé de la manière la plus « juste » : un objet, un paysage, un portrait etc. Toutefois, dès que l’on dessine, on fait des choix. En arts plastiques, ces choix, liés à la représentation, sont appelés « écarts », que l’objet soit observé, mémorisé ou imaginé. Ces choix ne sont pas dus au hasard mais sont étroitement liés à l’intention de l’artiste et aux moyens dont il s’empare (outils, support etc.). Ces choix sont porteurs d’une valeur expressive.
Dessiner peut également signifier explorer des outils, des gestes, des supports sans volonté de représenter. Le dessin est alors le lieu de formes imprévues, d’inventions graphiques, d’élaboration de langages inventés, telle l’exploration graphique réalisée par Paul Klee en 1922 sur le carnet de Nina Kandinsky (Portail Eduthèque : Paul Klee, Page du carnet de Nina Kandinsky, 1922)
Enfin, le dessin a également une autre fonction fondamentale en arts plastiques : il permet d’élaborer un projet. Par exemple, cette fonction peut être convoquée dans le cas d’un projet tridimensionnel, en sculpture ou en architecture : on dessine ce qu’on projette de réaliser. Il convient alors de confronter l’intention à la réalisation, tenant compte notamment des effets induits par la matière, les matériaux, etc.
Dans les musées, les oeuvres dessinées sont conservées au Cabinet des Arts Graphiques.
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Espace
L’espace est celui dans lequel l’œuvre s’inscrit matériellement. Il est donc essentiel de rencontrer des œuvres de visu afin de prendre conscience de leur existence matérielle au-delà des reproductions qui sont diffusées. En sculpture, on sera particulièrement attentif aux relations entre la matière et l’espace, dans lequel l’œuvre s’inscrit. De même, l’œuvre peut être conçue directement en relation au lieu dans lequel elle s’inscrit : en Land Art, certaines œuvres du Street Art, un retable, etc.
- L’espace est celui de l’artiste qui crée l’œuvre. Celui-ci est acteur avec son corps, il agit, bouge, évolue lorsqu’il réalise l’œuvre. Jackson Pollock effectue quasiment une danse lorsqu’il crée, Richard Long arpente le paysage dans lequel il crée.
- L’espace est celui du spectateur. « On ne regarde pas de la même manière une miniature, vue de près dans une sorte d’intimité, et une très grande peinture, qu’il faut prendre du recul pour bien voir ». Etienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Éditions PUF, p. 685
Le spectateur peut être amené à tourner autour d’une sculpture, déambuler dans une installation etc.
- L’espace est enfin celui de l’œuvre. Celui-ci peut être un espace représenté : « Un tableau peut représenter une tranche minime d’espace (dans un portrait, une nature morte) ou de grandes profondeurs, comme un paysage aux vastes horizons. » Etienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Éditions PUF, p. 687
- L’espace est également celui du tableau, comme le souligne le peintre Maurice Denis : « se rappeler qu’un tableau, avant d’être un cheval de bataille (...) ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées ».
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Genres
A partir de la Renaissance et jusqu’au XIXème siècle, les sujets des tableaux étaient classés par genres. Les genres sont liés aux connaissances esthétiques, scientifiques, littéraires, plastiques et culturelles d’une époque.
Voir aussi à
- nature morte et vanité
- autoportrait et portrait
- scène de genre (vie quotidienne)
- peinture d'histoire, y compris religieuse et mythologique
- paysages, comme les marines
Série
Taille
La technique de la taille consiste à supprimer de la substance dans un bloc de matière (la gangue ou bozza) afin de lui donner une forme déterminée.
C'est le geste de la taille qui vient en premier à l'esprit, lorsque l'on parle du « noble travail du sculpteur ».
L'image de l'artiste faisant surgir une figure d'un bloc de pierre à l'aide de ses seuls maillet et ciseau symbolise la lutte que le sculpteur engage avec la matière muette pour lui donner une forme et un sens. La taille est la technique la plus difficile de la sculpture puisqu'elle n'autorise aucune erreur.
Il faut distinguer deux procédés fondamentaux pour le travail de la pierre : la taille directe (technique de Camille Claudel) et la taille avec mise au point (technique de Rodin et de ses praticiens) qui connaît des progrès décisifs et un véritable succès au XIXe siècle.
Corps
Temps
-
Le temps peut être lié à la narration. La narration est l’acte de langage par lequel on raconte quelque chose. Les éléments du langage des arts plastiques permettent ainsi de raconter de manière visuelle. La relation entre narration et temps est évidente dans un film, une vidéo ou une bande dessinée (accélération ou ralentissement dans la narration). La Tapisserie de Bayeux, 70 mètres de long, réalisée au XIe siècle retrace l’histoire mouvementée de la conquête du trône d’Angleterre par Guillaume le Conquérant.
-
Le temps représenté dans l’œuvre peut être suggéré par un mouvement, la vitesse, par une répétition d’un même personnage évoquant un déplacement (dans les œuvres du mouvement futuriste, par exemple). Le temps peut être arrêté tel un instantané photographique (Le Sacre de Napoléon, David 1806-1807). L’œuvre peut rendre compte de moments fugaces (Série des Meules, Monet, plus d’une vingtaine de toiles vers 1890).Dans le cas d’une image fixe, le spectateur (re)construit mentalement le récit, à partir d’une répétition de formes, la mise en scène de personnages, le hors champ, une action arrêtée, une profusion de détails, une succession d’événements, l’organisation dans l’espace de l’œuvre etc. Il est possible également de faire cohabiter plusieurs temps dans un même espace, comme cela est l’usage dans les représentations du Moyen Âge.
-
Le temps est également celui de la création de l’œuvre, pouvant être rendu lisible par l’artiste. Il est également celui qui s’écoule depuis la création de l’œuvre, qui peut occasionner des changements, parfois voulus comme dans certains bâtiments en architecture par exemple ou encore des altérations nécessitant une restauration.
-
Le temps est celui de la contemplation de l’œuvre par le spectateur.
Voir aussi à temporalité
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Motif
Image
L’image est une représentation de quelque chose ou de quelqu’un par un procédé manuel (le crayon, la peinture, etc.) ou mécanique (l’appareil photographique, vidéo …). C’est aussi une représentation imprimée où ce qui est reproduit ou imité évoque quelque chose ou quelqu’un.
On distingue deux grandes familles d’images : l’image fixe et l’image animée ou mobile.
L’image virtuelle est une image qui n’a pas d’existence propre, issue d’une projection lumineuse ou d’un reflet. L’image numérique est une image scannée, stockée, diffusée ou imprimée par un ordinateur. L’image de synthèse est une image numérique qui est totalement créée par des calculs informatiques.
Voir aussi à statut de l'image
Plan
Dans une peinture, partie définie par sa distance au spectateur. Les plans suggèrent un espace en profondeur. Le premier est celui qui se trouve le plus en avant par rapport au point de vue du spectateur, les autres s'échelonnent dans la profondeur jusqu'à l'arrière-plan.
Au cinéma, le plan est une unité de temps, une prise de vues, comprise entre la mise en marche de la caméra et son arrêt. Pour simplifier, le plan est la scène filmée entre les deux mots magiques du tournage, « Action ! » et « Coupez ! ». Un ensemble de plans situés dans le même temps et dans le même lieu est une séquence. En résumé, le plan est le morceau de film tourné sans interruption et sélectionné au montage entre deux raccords.
En architecture, le plan de sol est une vue de dessus qui représente la disposition des espaces dans un bâtiment, à la manière d'une carte, pour un étage du bâtiment. C'est une section horizontale d'un bâtiment (à un mètre au-dessus du sol), représentant notamment les murs, les portes et les fenêtres. Le plan de masse est destiné à montrer une vue d'ensemble d'un projet, du dessus, incluant les limites de propriété, les accès, et les structures environnantes et les connexions aux réseaux (eau, électricité, communications...).
Voir aussi à échelle des plans.