L’idée de consacrer un crédit spécial à la réalisation de décorations monu­mentales dans les grandes construc­tions entreprises par l’État s’est concrétisée en 1936. La règle du 1 % n’est cependant constituée qu’en 1951 et ne concerne que les construc­tions des établissements scolaires.

Son élargissement à l’ensemble des constructions nouvelles et des ouvrages destinés à rehausser l’inté­rêt esthétique des édifices publics et de ses abords impose à tous les maîtres d’ouvrages la commande ou l’acquisition d’une ou plusieurs œuvres d’art, avec le soutien logis­tique du ministère de la Culture.

Sous le terme d’abattis, Rodin désignait ces « morceaux » auxquels il tenait tant, petits bras, têtes, jambes, mains et pieds, qu’il modelait en terre avant de les faire mouler en plâtre, en de nombreux exemplaires. Il obtenait ainsi un répertoire de formes dans lequel il n’hésitait pas à puiser pour compléter ses figures fragmentaires, recomposant de manière inédite groupes et assemblages.

L'abstraction géométrique qui utilise des formes d'apparence géométrique se distingue de l'abstraction lyrique qui privilégie le geste spontané et la tache.

Voir à abstraction(s)

De nombreux artistes utilisent les accidents, acceptant les fruits du hasard, intégrant à leur démarche artistique des éléments, non contrôlés, qui ne doivent rien à leur initiative personnelle.

Opération de mise en espace des expôts, particulièrement ceux à deux dimensions, du fait qu'ils sont en général accrochés aux cimaises. Les tableaux peuvent être accrochés au moyen de crochets qui se bloquent avec la pesanteur sur des tringles suspendues à une cornière, de coulisseaux qui se vissent sur des tiges également suspendues à un piton fixé directement dans la cimaise.

Figure de style qui se traduit par une énumération d'éléments appartenant à une même catégorie (de même nature et/ou de même forme) et qui crée un effet d'amplification.

Assemblage de matériaux ou d’objets en grands nombre conduisant parfois à perdre le sens ou la forme de l’objet unique.

Acheiropoïète grec : αχειροποίητα ; latin : non hominis manu picta ; littéralement : non fait de main d'homme

A = sans + Chrome = couleur > Sans couleur, "incolore"

Peinture soluble dans l’eau, à séchage rapide et indélébile une fois sèche. Cette peinture est obtenue par le mélange de pigments broyés et de résine qui fait office de liant. D’abord utilisée pour des usages industriels, les artistes au milieu des années 60 s’approprient cette peinture à l’eau, pratique et peu coûteuse.

Traduction française : peinture gestuelle.

Ce terme proposé en 1951 par le critique américain Rosenberg désigne une attitude artistique qui privilégie l'acte physique de peindre, souvent la rapidité d’exécution, l'engagement physique du peintre, la gestualité, éliminant toute suggestion figurative. "Ce qui devait passer sur la toile n’était pas une image, mais un fait, une action".

Agrandissement au compas : technique pour agrandir un dessin (2D) ou une sculpture (3D) 

Que rend incertain, dans l'avenir, l'intervention du hasard ou qui dépend d'une loi de probabilité. Les artistes d'avant-gardes souhaitant se libérer des codes et normes académiques ont vu dans l'aléatoire un nouveau processus de création. 

Traduction : Tout et partout

Procédé qui conduit à une répartition uniforme des éléments picturaux sur la surface totale du tableau qui semble se prolonger au-delà des bords. Aucune partie n'a plus ou moins d'importance qu'une autre. Il n'y a plus ni centre, ni bords.

Ce terme italien date de la Renaissance, et signifie "peindre dans le frais" ou peindre en "un seul jet" ou encore "du premier coup". C'est une technique de peinture à l'huile.

Peindre alla prima s'oppose au lent travail par couches successives et glacis.

Image qui évoque une idée abstraite (par exemple, la justice, la paix...).

Aménagement de l'espace

Premier stage de la mise en espace ou mise en exposition, avant la mise en place des expôts, consistant à structurer l'espace, au moyen d'outils de présentation qui permettent de le découper, de le fractionner en espaces d'accrochage et de circulation, comme les cloisons ou les estrades, ou qui servent de support comme les panneaux, les socles ou les vitrines.

Représentation qui, selon l’angle de vue traditionnel (par exemple, de face) est déformée. La perspective est détournée pour créer des images qui se recomposent à partir d'un seul point de vue préétabli.

Voir à dessin d'anatomie

Terme désignant la hauteur et la direction de notre regard par rapport au sujet regardé.

Qui rappelle les formes humaines.

Le terme anticonformiste est apparu au milieu du XX^e siècle. Il est formé de l'élément du grec anti- qui signifie « en face de », « contre », et du nom conformiste, qui désigne quelqu'un qui se conforme aux normes, aux usages. Les artistes anticonformistes ont été les premiers artistes d'avant-gardes comme les Cubistes, Fauvistes, Expressionnistes, Dadaïste, Surréalistes, Futuristes ... qui ont rejeté les règles, normes et codes dictés par les écoles d'art de leur époque.

Zone(s) de couleur uniforme.
Opposé = peindre avec des nuances ou un effet de dégradé.

Dans les années 1960, « l’appropriation » désignait l’activité fondamentale du Nouveau Réalisme tel que le définissait Pierre Restany : « Le geste d’appropriation est l’agent absolu de la métamorphose, le catalyseur de la révolution du regard ». Cette acceptation vaut également pour la variante américaine du Nouveau Réalisme : le Néo-Dada. À la fin des années 1970, le terme a resurgi dans un autre contexte, à propos des nouvelles formes de critique de la représentation que constituent le simulationnisme et le néo-géo. Désormais, l’appropriation va de pair avec l’art de la citation.

Procédé de peinture à l’eau dont les pigments de couleur sont mélangés avec une solution de gomme arabique et sont appliqués au pinceau sur le support, en général une feuille de papier blanc, après avoir été plus ou moins dilués dans de l’eau. Ainsi délayées, les couleurs sont transparentes et peuvent être superposées. À la différence de la gouache, qui est opaque, l’aquarelle laisse jouer, par transparence, les couleurs entre elles et avec le blanc du papier ; les réserves, c’est-à-dire les espaces où le papier est laissé vierge, font ressortir les nuances, la luminosité et l’éclat des coloris.

L’arabesque est un ornement rappelant les lignes, les motifs géométriques ou les feuillages entrelacés des décors arabes. Dans le champ des arts plastiques, il désigne généralement des lignes courbes créant des chemins optiques souples et sinueux.

Ce terme désigne l’art de construire les édifices.

« L’architecture est celui des Beaux-Arts dont les œuvres, conçues et exécutées dans l’espace à trois dimensions, sont des édifices ayant une destination fonctionnelle précise, en rapport avec les grandes activités matérielles, sociales ou spirituelles de la vie humaine (temples, habitations, palais, etc)». Étienne Souriau (1892-1979), Vocabulaire d’esthétique, Paris, Presses Universitaires de France, 1990, Quadrige, p. 160.

Voir l'affiche sur ce domaine artistique (en téléchargement).

En architecture, la forme des arcs déterminent bien souvent un style, une époque.

L’arc est l'élément d'ossature qui enjambe l'espace ouvert entre deux piliers (pieds-droits, etc.) ou colonnes ou murs en transmettant toute la charge qu'il supporte aux appuis (culées, contreforts, etc.), moyennant une force oblique dénommée « poussée ».

Nom de la photographie avant le numérique.

Ce nom provient des produits chimiques utilisés comme le chlorure d’argent

Elements rigides et résistants qui servent à maintenir une sculpture ("squelette").

L'arrière-plan est le plan le plus éloigné du regardeur. Parfois, il désigne tout simplement ce qui se situe derrière la scène principale ou le sujet représenté.

Les œuvres d’Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d’autrui. Sans besoin de reconnaissance ni d’approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage. Leurs travaux, réalisés à l’aide de moyens et de matériaux généralement inédits, sont indemnes d’influences issues de la tradition artistique et mettent en application des modes de figuration singuliers.

C’est au peintre français Jean Dubuffet que l’on doit le concept d’Art Brut. Il constitue dès 1945 une collection d’objets créés par des pensionnaires d’hôpitaux psychiatriques, des détenus, des originaux, des solitaires ou des réprouvés. Il perçoit dans cette création marginale une « opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l’entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions ». La notion d’Art Brut repose ainsi sur des caractéristiques sociales et des particularités esthétiques.

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ou métiers d'art.

Trait d’union entre le passé et le futur, l’esprit et la main, l’esthétique et la fonction, les métiers d’art fondent un des socles essentiels de notre patrimoine culturel.
Ils puisent dans leur histoire une inspiration qui les nourrit, tout en épousant les courants esthétiques de leur époque. Ils protègent notre patrimoine, intervenant dans les champs de la restauration-conservation, et le renouvellent par la magie de la création.

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L'assemblage est une technique sculpturale (en 3 dimensions) née au début du XXème siècle. Elle s'oppose à des techniques classiques comme la taille directe en marbre ou le modelage en argile, de matière homogène. C'est une technique consistant à fixer différents éléments entre eux (objets manufacturés, fragments d'objets) avec de la colle, des agrafes, de la soudure, de la ficelle, des clous, des vis, des emboitements, des tenons mortaises...

L'atelier est le lieu de travail d'un peintre, d'un sculpteur, d'un artiste, etc. C'est aussi l'endroit clos et couvert où l'ouvrier travaille et place ses outils.

Idéalement l'atelier doit prendre jour du côté du nord. Dans cette direction, l'artiste peut travailler à toute heure du jour sans être incommodé par les rayons du soleil. De plus la lumière prise de ce côté est plus égale et plus franche que toute autre.
Le jour d'atelier est le jour le plus propre à éclairer un tableau, une statue.

Un atlante (ou Télamon) est la version masculine de la cariatide.
L'Atlante est une sorte d'Hercule soutenant l'architrave sur ses épaules courbées.

Opération qui consiste à réduire l’effet d’un contraste chromatique, lumineux, formel, etc ou d’un caractère trop prononcé. Il s’agit d’éteindre un effet jugé trop intense, trop fort, trop violent.

L'attribut sert à caractériser un personnage et permet de l’identifier, qu'il soit sacré ou profane.

L'attribut peut être un objet (bouclier, glaive, arc...), une particularité vestimentaire (bonnet phrygien, masque, ceinture...), un animal (taureau, bélier, cygne, chouette...), un élément du paysage (pont, rivière, arc-en-ciel...), un élément végétal (rose, laurier, épi de blé...), ...

Lyon, le 17 décembre 1903, les frères Lumière inventent la photographie en couleurs

Plus de détails sur http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/64-glossaire/918-autochrome

Personne qui s’est instruit par ses propres recherches et formé par ses propres expériences, celui qui, en d’autres termes, n’a pas reçu l’enseignement d’un maître ou la formation d’une école.

C'est lorsque l’artiste réalise son propre portrait, à l'aide d'un miroir ou pas, de manière réaliste ou pas. L'autoportrait (sous catégorie du genre du Portrait) est présent dans toute l'histoire de l'art sous forme dessiné, gravé, peint, sculpté, photographié, numérisé.

Voir le cours sur l'Autoportrait sur ce site.

Ce terme employé depuis la fin du XIX^ème siècle désigne le mouvement artistique ou les artistes qui, selon une logique de rupture et de renouvellement, s’opposent aux pratiques reconnues ou pré-existantes. L'avant-garde est l'opposé exact de l'académisme.

Terme emprunté au vocabulaire militaire : groupe d'unités destiné à se déplacer devant l'armée pour explorer le terrain.

Peinture qui, durant les années 70 et 80, s’oppose à tout savoir-faire, à toute référence culturelle et à toute démarche conceptuelle. Ce refus d’un certain milieu de l’art se manifeste par des réalisations qui semblent bâclées, maladroites, proches des graffitis. Le terme fait son apparition en 1978.

Les différents bains chimiques en photographie argentique

• les nécessaires : fixateur, révélateur, bain d'arrêt
• les facultatifs (effets) : virage au sélénium, accélérateur, agent mouillant, acide acétique… 

En bande dessinée, ensemble des cases disposées sur une même ligne (aussi : bande ou "strip" en anglais). Voir l'affiche sur le vocabulaire de la Bande-dessinée sur ce site

En architecture, les fenêtres en bandeau sont horizontales. C'est Le Corbusier qui a énoncé cette caractéristique dans ses 5 points de l'architecture moderne.

Mélange d'argile et d'eau.

Cette pâte très liquide permet de coller entre eux des éléments ou de réparer des fissures (le support doit lui aussi être mouillé avant l'application de la barbotine).

Mouvement artistique apparu à la fin du XVI^ème siècle à Rome, l’art baroque se diffuse au XVII^ème siècle en Italie, en Espagne et en Europe Centrale. Le terme vient du portugais barroco qui signifie ‘perle de forme irrégulière’.

Il se caractérise par des formes exubérantes, des déformations ou des étirements au sein des représentations humaines, des couleurs flamboyantes, des lignes au tracé complexe, la surcharge des motifs, des perspectives en trompe-l’œil, la traduction du mouvement. L’art baroque veut frapper l’imagination du spectateur par une mise en scène des émotions.

Dans le champ de la sculpture, œuvre dont le relief se dégage d’un fond plat. Un bas-relief, à la manière d’une peinture se regarde de face (point de vue frontal) et non, comme le serait une sculpture en ronde-bosse, sur toutes ses faces (points de vue multiples).

Voir aussi à sculpture, haut-relief, ronde-bosse et pratiques tridimensionnelles.

Ecole d’art et de technologie fondée en 1919 en Allemagne par l’architecte Walter Gropius. L’enseignement de cette école, en regroupant des disciplines variées liées aux arts plastiques, à l’architecture et aux arts décoratifs, se fonde sur le concept d’art total et fonctionnel ; Walter Gropius défend l’unité de l’art et de la technologie : « Art et Technique – une nouvelle unité ». Vassily Kandinsky, Paul Klee, Johannes Itten, László Moholy-Nagy ont enseigné et animé des ateliers au Bauhaus.

L'icône est posée dans un angle, krasnié (ou krasny) ugol, de la pièce d'où elle peut être vue de quiconque et du visiteur passant la porte d'entrée. La traduction française de "krasnié ugol" est le "beau coin" ou le "bel angle". Elle n'est pas accrochée mais posée sur un support de bois.

Ensemble de figurations animalières servant une pensée poétique ou symbolique.

« Tout art animalier ne constitue pas un bestiaire. Il faut entendre par bestiaire, un ensemble plus ou moins systématique " Étienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Paris, Presses Universitaires de France, 1990, (Quadrige), p. 243.

Se dit d'une oeuvre en 2 dimensions (2 D = largeur X longueur). 

Ainsi, un dessin sur feuille, une toile ou un panneau de bois ou un pan de mur peints, une tapisserie, une plaque de métal gravée, une photographie, ... sont des productions bidimensionnelles.

Voir aussi à pratiques bidimensionnelles

Manifestations culturelles, expositions qui ont lieu tous les deux ans.

Couleur lumineuse et transparente obtenue avec de la suie générée par un feu de chêne ou de bouleau. Sa couleur varie du brun au jaune. Elle est utilisée diluée, comme l’encre, pour la réalisation de lavis.

Patrick Neu en fait un usage tout à fait différent !

Goudron naturel connu depuis l'antiquité.

Pour enregistrer une image héliographique, Niépce recouvrait une plaque métallique de bitume de Judée dissout dans de l’essence de lavande.

La plaque devenait alors sensible à la lumière. Une fois sèche, elle était placée dans une chambre noire, une camera obscura , puis exposée à la lumière durant de longues heures. Il la lave avec une solution diluée d'essence de lavande qui dissout les parties molles du bitume de Judée, non durcies par la lumière.

L’image captée restait latente ; pour apparaître, la plaque devait être plongée dans un bain qui dissolvait les parties du bitume peu exposées (le bitume fortement exposé durcissant et devenant insoluble).

L'image apparaît par effet de contraste entre les parties rugueuses du bitume de Judée durci et les parties polies de l'étain.

En arts plastiques : La Black Box (boîte noire) est devenue populaire à la fin des années 1960, lorsque les artistes ont commencé à utiliser des entrepôts abandonnés comme studios. L'attrait de la Black Box était qu'elle était peu coûteuse à entretenir et qu'elle avait peu d'exigences techniques en dehors d'un simple éclairage. L'absence de couleur sur les murs, associée à l'absence de décor ou de toile de fond, a attiré l'attention directement sur l'interprète (cf cyclorama en animation : fond uni, absence de décor).

Contrairement au White Cube qui implique une neutralité aseptisée, la Black Box, c'est le lieu "dans son jus".

Black Box et White Cube désignent donc des dispositifs muséaux, des choix scénographiques, muséographiques.

• White Cube : absence de contexte pour l'oeuvre

• Black Box : absence de repères pour le spectateur (référence à salle obscure du cinéma qui plonge le spectateur dans le noir)

(mot italien)

Idée première traduite directement en volume, sous l'aspect d'une esquisse modelée en argile ou en cire, point de départ de la création de la sculpture.

Ouvrage textile réalisé à l’aiguille sur un support préalablement tissé. La broderie permet la création de motifs ou de scènes en couleur et en relief. Un point de broderie est une manière de passer le fil à broder au travers de la toile servant de support et sur lui-même. Les différents points permettent la création de textures variées qui, selon leur taille, leur relief, leur rythme, participent activement aux qualités visuelles et plastiques de la broderie. Voir par exemple, le point de Bayeux.

Alliage composé de cuivre et d’étain. Il est souvent utilisé pour reproduire par coulage dans un moule des sculptures dont les originaux sont en plâtre, en terre ou en tout autre matériau. La couleur du bronze peut varier de l’or au brun en passant par le vert, selon la proportion de ses composants.

Voir aussi à sculpture, moulage, pratiques tridimensionnelles.

Voir à pinceaux

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Colorant brun obtenu à partir de l’enveloppe de la noix. Il permet la réalisation de lavis composés, selon la dilution, de toute une gamme de bruns plus ou moins clairs ou foncés.

Dans le champ de la bande dessinée, les bulles ou phylactères sont les espaces délimités par une ligne fermée où sont inscrites les paroles, les pensées ou les rêves d’un personnage.

Voir l'affiche sur ce domaine artistique.

Outil en acier utilisé en gravure (pour creuser un sillon plus ou moins profond dans la plaque de cuivre ou la planche de bois de bout qui recevront l’encre pour l’impression des gravures) et en sculpture (taille de la pierre). Il est également employé en chirurgie pour désigner un instrument à extrémité biseautée tranchante destiné à entailler l'os.

En sculpture, un buste est une représentation en ronde-bosse de la partie supérieure du corps humain incluant la tête, le cou, une portion variable des épaules, des bras et de la poitrine. Un fragment de statue avec ou sans bras, ne peut être considéré comme un buste. Les bustes peuvent entrer dans la composition de monuments commémoratifs ou contribuer à la décoration d'un édifice. Il existe différents types de bustes, Hermès, à l'Antique, à la française, à l'italienne... 

Tirage chromogène numérique (C-Print numérique) ou tirage Lightjet ou tirage Lambda

Ce procédé utilise l’exposition numérique (à partir d’un projecteur laser) pour révéler l’image, mais garde le papier-photosensible traditionnel et le procédé d’émulsion pour produire le cliché final.

En 1925, des surréalistes écrivent chacun à leur tour sur une feuille mais avant de passer la feuille à son voisin, chacun cache soigneusement la totalité ou une partie de ce qu’il vient d’écrire. La première phrase ainsi obtenue aurait été « Le cadavre exquis boira le vin nouveau ». Ce jeu littéraire, prit dès lors le nom de cadavre exquis, et sera adapté ou transposé à la pratique du dessin.

Le Dictionnaire abrégé du surréalisme donne du cadavre exquis la définition suivante : « jeu qui consiste à faire composer une phrase, ou un dessin, par plusieurs personnes sans qu'aucune d'elles ne puisse tenir compte de la collaboration ou des collaborations précédentes. »

Le shiritori est sa variante japonaise.

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Cadrer c’est penser le champ et le hors-champ.

Employé dans le champ du cinéma et de la photographie, le cadrage peut être employé dans le champ de l'image en général. Il désigne les choix qui déterminent ce qui sera montré ou caché. Ces choix se manifestent dans le rapport qu’entretiennent les éléments de l’image et le format de celle-ci. Tout ce qui est visible appartient au champ ou est dans le champ ; alors que tout ce qui n’est pas dans l’image appartient au hors-champ ou est hors-champ. 

La composition, l'échelle des plans, le point de vue sont liés au choix du cadrage.

Voir aussi le cadrage oblique.

ou Dutch Angle (en anglais) ou encore angle néerlandais ou angle allemand ou plan cassé ou plan débullé

Cet angle de vue correspond à un basculement de l’image. Ce cadrage désigne une situation particulière (inclinée) de celui qui regarde la scène, situation qui peut, parfois, être associée au trouble ou au déséquilibre.

Voir aussi à cadrage.

Entourage d'une toile (sur la face avant), d'une photographie, d'un dessin destiné à mettre en valeur le motif représenté. Au cinéma, délimitation du cadrage, séparant le champ du hors-champ, définissant les plans (voir vidéo ci-dessous).

Ressources sur http://www.surlimage.info/ecrits/cadrer.html

Voir à cadrage.

Type d'encadrement (de cadre) inventé par un américain au début du XXème siècle. Les caisses destinées à l’emballage pour le transport étaient fabriquées en bois. Avec l’apparition du carton ondulé, il créa un carton pliable appelé « caisse américaine » depuis très utilisé (quatre tasseaux de bois brut assemblés sur un cadre à fond plat).

Ce cadre est aussi appelé cornière ou « floaster frame » aux USA, car la toile semble flotter dans son support.

Le calame du latin calamus est un roseau taillé en pointe dont on se sert pour l'écriture.

Poème ou un texte dont la disposition des lettres et des mots forme non seulement un texte mais aussi un dessin. Le poète Guillaume Apollinaire est à l’origine du mot calligramme, néanmoins la pratique de la poésie graphique ou du poème-dessin existait déjà depuis fort longtemps. La relation existant entre le lisible et le visible constitue la saveur et la puissance de ce type de création.

L'art de la belle écriture.

Procédé de Henri Fox Talbot. Il réalise le négatif d'une forme sur le principe du rayogramme qu'il place ensuite dans une chambre noire : le principe du négatif (et du tirage photographique multiple)  est né !

Explications en vidéo : https://youtu.be/hDI3x_VJEhI

Désigne toutes les nuances d’une même couleur (bleu clair, foncé, bleu vert, bleu nuit, bleu turquoise, bleu ciel, cyan…).

Voir à chambre noire

Les canaux sont les conduits qui permettent au bronze de s'écouler jusqu'à la forme sculptée dans le moule réfractaire.

Dans le champ de l’histoire de l’art, un canon est le résultat des normes et de la vision d’une société pour la représentation du corps humain. Ainsi selon les cultures et les époques, sont construits des modèles régissant entre autres les proportions.

Mot issu de l'italien capriccio

Assemblages imaginaires de monuments ou de fragments de paysages réels. Le peintre concentre, rassemble et articule dans un même espace fictif, selon une composition vraisemblable, une série de monuments qu’il a observés dans des lieux différents.

Une cariatide est une statue de femme drapée et debout, dont la tête sert de support à un entablement, une architrave ou une corniche.
Dans un ensemble architectural ou dans un meuble, elle s'emploie à la place d'une colonne ou d'un pilastre. Elle a un rôle architectonique = elle sup-porte une masse

Parfois leurs bras ne sont figurés que par des tronçons : le bas du corps se termine souvent en gaine. Lorsque les cariatides portent sur la tête une corbeille formant un chapiteau, on les appelle canéphores.

Vient de l’italien "caricatura", de "caricare" "charger".Les caricatures se nomment aussi des portraits-charge

La caricature est une représentation qui accentue ou révèle les aspects les plus ridicules ou les plus déplaisants d’une personne. Par l’exagération de certains traits physiques ou moraux défavorables, la caricature recherche l’association du ridicule, du comique et de la moquerie. Le traitement déformé de la physionomie s’inscrit dans la tradition de la satire et quelques historiens n’hésitent pas à l’associer à des portraits de l’Égypte antique, à des représentations dessinées sur les vases grecs et à des sculptures présentes à l’intérieur ou à l’extérieur des édifices religieux construits au Moyen-Âge. En s’associant à la presse, la caricature devient, sous la Révolution Française, un langage politique.

Vient de l'italien "cartello" affiche

Etiquette placée, dans les lieux d'exposition, au-dessous ou à côté des œuvres pour permettre aux visiteurs d'identifier l’œuvre.

En général sont indiqués le prénom et le nom de l’artiste, la date et le lieu de sa naissance, la date et le lieu de sa mort, le titre de l’œuvre, la date à laquelle cette œuvre a été réalisée, la technique employée (huile sur toile, pastel ou crayon sur papier, aquarelle sur papier, etc.), les dimensions de l’œuvre (hauteur x largeur x profondeur) et la provenance (prêt, legs, dons, achat...). Sous les reproductions, dans les livres ou sur les cartes postales par exemple, il sera rajouté le lieu où est conservée cette œuvre : collection particulière, musée, ..., ville.

Ebauche, à l'échelle ou en dimensions réelles, à partir de laquelle la version définitive d'une peinture, d'une fresque, d'une mosaïque, d'un vitrail, d'une sculpture ou d'une tapisserie est réalisée.

On utilise aussi le mot "modello"

Substance constituée de protéines provenant du lait, utilisée comme liant en peinture.

Représentation ordonnée des couleurs utilisée en peinture, en teinturerie, en design industriel, en mode, en arts graphiques. Les couleurs sont celles de l'arc-en-ciel, il n'y a ni noir, ni blanc, ni gris, perçus comme des valeurs et non des couleurs.

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Contour fortement marqué, visuellement mis en valeur, par un tracé noir. Cette mise en avant du contour constitue une affirmation de la planéité de la représentation.

Il s’oppose à l’héritage dominant de l’art occidental, classique, constitué essentiellement de la formulation du modelé.

Voir aussi à ligne claire, cerne en bande-dessinée.

Voir aussi cerne des vitraux (sertissage au plomb).

ou camera oscura

Boite percée d’un minuscule trou devancé d’une lentille par lequel entre la lumière et projette sur un papier ou un verre dépoli l’image plus ou moins net de ce qui se trouve devant la boite. Cet instrument d'optique qui a été utilisé notamment par les peintres hollandais du XVIIe siècle et les védustistes italiens (Canaletto) est à l'origine de l'appareil photographique.

Terme lié à la photographie et qui désigne l’espace saisi par l’objectif : être dans le champ ou le hors-champ. De même, nous parlons du champ de vision pour désigner ce qui s’offre à notre regard. Par extension, désigne tout ce qui est montré par le cadrage d'une image.

Voir article sur ce lien...

Pierre taillée et sculptée surmontant une colonne, une demi-colonne ou un pilastre et qui, par l’intermédiaire d’un tailloir, reçoit la retombée d’un arc ou supporte un entablement.

Armature généralement en bois sur laquelle est tendue et punaisée la toile. Ce cadre est visible sur la partie arrière des toiles peintes.

Relatif à la couleur

Voir à

• couleur
• cercle chromatique

Il s’agit d’un tirage sur papier fait à partir d’un négatif couleur.

Le tirage chromogène ou C-print est un procédé de développement traditionnel photographique.

Chronos = temps + photographie = écriture de lumière

Succession de prises de vues réalisées sur différents supports sensibles (série d’images qui présentent différents instants d’un mouvement) ou sur un même support (les différents instants sont alors simultanément visibles au sein d’une même image). Cette technique permet de décomposer chronologiquement les phases d'un mouvement (humain ou animal). Elle a été mise au point par Etienne Jules MAREY et Eadweard Muybridge, en 1882. Elle permettra le développement du Cinématographe !

ou Ilfochrome

Procédé de tirage photographique couleur depuis un film inversible produit par Ilford, permettant d’obtenir une épreuve directement à partir de diapositives.

Ce procédé est totalement différent des autres procédés couleur car, au lieu de fabriquer du colorant lors du développement, il détruit un colorant déjà existant. C'est une décoloration par l'image argentique.

Complément sur https://www.rolanddufau.com/interview.php

Ce même mot désigne deux choses différentes liées aux dispositifs de présentation, d'exposition, de monstration des oeuvres. 

- C'est la tige suspendue à une cornière ou corniche le long d'un mur qui permet de fixer des tableaux à des hauteurs variables 

- C'est aussi les "faux" murs des espaces d'exposition construits au gré des scénographies, le plus souvent en bois (contreplaqué), peints.

Le terme « cinéma » est l’abréviation de cinématographe (du grec κίνημα / kínēma, « mouvement » et γραϕή / graphê, « art d'écrire, écriture »), nom donné par Léon Bouly à l'appareil de prise de vues dont il dépose le brevet en 1892. N'ayant plus payé les droits les années suivantes, il en perd la propriété et les frères Lumière lui reprennent cette appellation. Désigné comme le « septième art » (voir les autres arts), d'après l'expression du critique Ricciotto Canudo dans les années 1920.

Art cinétique : art visuel fondé sur la notion de mouvement que celui-ci, au sein des œuvres, soit réel ou suggéré.

Le ciseleur travaille le métal à froid afin d’y appliquer un décor ou de souligner le contour d’une forme. Il s’illustre dans la fabrication du bronze d’art, dans l’ameublement, le luminaire, l’orfèvrerie, la bijouterie et l’horlogerie.

Ce spécialiste décore et ornemente des articles, uniques ou en série limitée. Son domaine d’exercice s’étend des arts de la table (argenterie, théières) à la décoration de miroirs ou de meubles ; des parures (bijoux), aux loisirs sportifs et jusqu’au funéraire (stèles). En outre, il intervient sur divers matériaux – métaux, minéraux, matières organiques ou synthétiques, cristal – par incision (manuelle avec des gouges très fines, des burins, des pointes à tracer, un ciselet ou chimique avec des acides) et défoncement de matière.

Fragment, textuel ou plastique, puisé au sein du travail d’un artiste et réintroduit par un autre dans un nouveau texte ou un nouveau travail plastique. Plus généralement, la citation établit une relation entre une réalisation et une autre qui lui est antérieure.

Mots liés à la citation : copie, réappropriation, emprunt, pastiche, parodie, détournement.

Réalisation plastique dont le caractère principal est dû à un contraste entre le clair et le foncé.

Dans le cas le plus radical, il s’agit d’une composition construite essentiellement à partir d’une gamme, c’est-à-dire à partir des différents tons d’une même couleur. Ce terme désigne l’effet obtenu en combinant les tons clairs et les tons foncés, les effets d’ombre et de lumière, les zones claires et les zones foncées, de façon à les faire valoir les unes par les autres. Ce contraste, en figurant les ombres et les lumières, a souvent été utilisé par les peintres pour suggérer l’espace.

Groupe d’artistes, peintres, poètes ou architectes, fondé en 1948 et actif jusqu’en 1951.

Ce nom est construit à partir des villes d’origines de ses fondateurs : COpenhague, BRuxelles, Amsterdam. Les artistes membres de ce mouvement défendent une créativité spontanée, simple, vivante, libérée de tous les systèmes ou de tous les formalismes admis. Ils travaillent de manière instinctive et naturelle ; Ils recherchent, selon leurs termes, des formes "sauvages". Lorsqu’ils utilisent la peinture, ils la travaillent en épaisseur au couteau ou par accumulation sur des supports très variés et privilégient les couleurs vives et saturées. L’esthétique du groupe, commune à chacun de ses membres, pourrait se résumer par cette phrase de Corneille : « pas de bon tableau sans gros plaisir ». Parmi les membres de Cobra, nous pouvons citer aussi Asger Jorn, Karel Appel et Corneille.

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Le code de représentation désigne la manière dont un élément du réel est représenté. Le code utilisé dépend du style de l'artiste, de la période de cette représentation, de son utilisation (peinture, bande-dessinée, publicité, vitrail, ...), de son degré d'iconicité recherché...

Technique qui consiste à organiser un espace par combinaison d'éléments différents (extraits de journaux, papiers peints, documents quelconques, objets divers). L'unité de l'ensemble se construit par juxtapositions et superposition d'éléments réels visuellement liés.

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Le collodion est un nitrate de cellulose dissous dans un mélange d'alcool et d'éther que l'on étend sur une plaque de verre. Quand ce mélange sirupeux commence à se figer sur le verre, on plonge la plaque dans un bain de nitrate d'argent pour la sensibiliser, les sels contenus dans la pellicule sont ainsi transformés en halogénure d'argent sensible à la lumière. On égoutte alors la plaque, on la transfère dans un châssis étanche à la lumière. Toutes ces opérations se font en chambre noire. On peut alors faire une prise de vue avec la chambre photographique. La plaque doit ensuite être immédiatement développée en chambre éclairée en lumière rouge clair (le nitrate d'argent étant insensible à la lumière rouge) avec de l'acide gallique ou du sulfate de fer puis fixée au thiosulfate de sodium ou au cyanure de potassium.

Au XVII^ème siècle, personne qui attribue à la couleur une place de choix la considérant aussi essentielle que le dessin ou la composition, par opposition aux défenseurs de la primauté du dessin.

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Terme choisi par Robert Rauschenberg pour désigner ses travaux où se côtoient la peinture, le dessin, l’assemblage et le collage.

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Le commissaire d’exposition est chargé de concevoir et organiser une exposition temporaire d’oeuvres d’art, monographique ou collective. Le commissaire détermine le choix de l’artiste ou des artistes ainsi que des oeuvres, la problématique de l’exposition, la mise en espace des oeuvres dans le(s) lieu(x) accueillant le projet, la tenue d’événements ponctuels qui y sont rattachés, ainsi que les modalités de leur diffusion et de leur médiation auprès des publics.​

Le/la commissaire est aussi dénommé(e) curateur/curatrice, terme issu du mot latin curare : « prendre soin de ».

En anglais, « curator » désigne à la fois le conservateur en charge d’une collection muséale et le commissaire d’exposition. En français, le terme curateur/curatrice tend à remplacer progressivement celui, peu exportable, de commissaire. Les deux ont pris leur sens actuel dans les années 1960, lorsque la présentation publique de l’art n’a plus été réservée aux seuls conservateurs de musée et que des acteurs nouveaux, issus de la critique ou de l’animation culturelle, ont revendiqué un langage et une compétence propres pour la mise en exposition des oeuvres et l’accompagnement des artistes. 

Qualifie ce qui est formé d’éléments variés et disparates.

En arts plastiques, nous parlons d’une œuvre composite selon deux sens :

• le premier, lié à la matérialité de l’œuvre, lorsque celle-ci est un assemblage d’éléments ou de matériaux hétéroclites (Combine Painting)
• le second, généralement en architecture, lorsque celle-ci est le mélange de plusieurs styles.

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C'est la manière dont l'artiste organise les éléments de son tableau, de sa photographie, de son image, en fonction de son format.

Mouvement né à New York dans les années 60, et souvent associé à l’artiste américain Joseph Kosuth. La réalisation de l’œuvre passe après le concept ; sa matérialité est moins importante que les intentions qui ont présidé à sa conception. L'idée de l'oeuvre, son concept est plus important que sa réalisation matérielle.

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Mouvement artistique apparu en Russie vers 1913 caractérisé par des compositions géométriques rigoureuses et est par conséquent non figuratif. On trouve ces créations surtout en peinture, sculpture, photographies, éditions, affiches et cinéma.

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Désigne l'art de son époque. Ainsi, l'art contemporain de ses parents n'est pas la même que le sien, ni plus tard que celui de nos enfants.

D'une manière plus globale, l' « art contemporain » désigne l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours. Dans cette classification, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.

Ligne ou surface dessinant la forme extérieure d'un corps, sa limite. Le contour d'une surface est une ligne et le contour d'un volume une surface.

Voir aussi le cerne

Mot italien signifiant Hanchement ou déhanché

Position debout dans laquelle le poids du corps se trouve presque complétement reporté sur une seule jambe. La jambe sur laquelle le corps s'appuie est appelée jambe portante et celle qui est fléchie, jambe libre. Cette position détermine une asymétrie des deux moitié du corps et fait saillir la hanche.

Désigne l’opposition entre plusieurs choses, généralement deux, qui se mettent ainsi en valeur les unes les autres.

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En photographie ou au cinéma, ce terme désigne la prise de vue d’un sujet éclairé par une lumière située derrière lui et par conséquent faisant face à l’appareil. De même, ce terme peut s’appliquer aux peintures, aux dessins ou aux gravures lorsque la source de lumière est située derrière le sujet représenté et qu’elle est, par conséquent, face au regardeur.

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Voir à angle de vue

Reproduction à l’identique d’une œuvre. L’artiste lui-même peut copier une de ses réalisations (on parle alors plutôt de réplique) ; cela était, par exemple courant, au XV^ème chez les peintres flamands. Parfois les élèves réalisaient des copies des œuvres de leur ‘maître’... La copie peut également être un exercice permettant à la fois la compréhension d’une œuvre et l’éducation de sa pratique.

Voir à citation

Voir à Ordres architecturaux

En architecture classique, la corniche est la partie supérieure de l'entablement formant une saillie sur la frise horizontale d'un édifice.
Une corniche possède un larmier, moulure inférieure creusée en forme de canal, pour préserver les parois des murs des eaux pluviales.

Plus généralement, la corniche représente la large moulure de menuiserie ou de maçonnerie qui forme un couronnement. Elle règne au dessus des façades, des portes, des meubles de formes architecturales comme les buffets, les armoires, autour d'un appartement, au dessous du plafond, etc.

Le corps peut être celui représenté dans l’œuvre : le corps dessiné, peint, gravé, photographié, sculpté, exposé... ou celui de l'artiste ou encore celui du spectateur.

Voir aussi à geste

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol

La couleur est liée à la perception, aux propriétés physiques et à la dimension culturelle. Il y a un nombre infini de couleurs.

La couleur, lorsqu’elle est liée à la figuration, peut s’éloigner du strict rôle d’identification (« le ciel est bleu, les toits sont rouges... »). Il est intéressant d’évoquer les couleurs présentes en architecture ou sur certaines sculptures, avec notamment une réflexion sur la restauration lorsqu’il s’agit des couleurs souvent disparues des statues grecques antiques, ou des façades des cathédrales, entièrement peintes. Dans l’usage courant, certaines couleurs sont associées à des émotions ou des sentiments : le rouge pour la colère, le bleu pour la peur, etc. La couleur peut être choisie indépendamment de ces représentations, celles-ci variant selon les sociétés.

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol

La couleur ne répond plus à des intentions réalistes (imitation des couleurs du réel : ciel bleu, herbe verte...) mais devient expressive par elle-même sans être déterminée par le sujet.

« La couleur existe en elle-même, possède une beauté propre.[...]. J’ai compris alors que l’on pouvait travailler avec des couleurs expressives qui ne sont pas obligatoirement des couleurs descriptives. » Henri Matisse (1869-1954), Écrits et propos sur l’art, Paris, Éditions Hermann, 1962, p.103.

L'autonomie de la couleur s'oppose au ton local qui reproduit l'exacte couleur réelle des éléments représentés.

Trace du mouvement de la peinture liquide qui s’écoule sur la toile. Souvent bannie et considérée comme une bavure et une imperfection, au XX^ème siècle, elle est devenue une trace avec des qualités plastiques.

Représentation graphique d’un objet en trois dimensions (comme une architecture), coupé par un plan vertical. Les coupes sont utilisées pour décrire les relations entre les différents étages d'un bâtiment.

Voir à pinceaux

Voir plus de détails...

Le terme de crayon désigne, de manière générale, divers morceaux de minerais de différentes sortes se présentant sous la forme d’un bâton et permettant de dessiner ou d’écrire : craie, pierre noire, mine graphite, fusain, pastel, sanguine… Il s’agit d’un matériau solide qui se dépose sur le support par contact direct, par opposition aux matériaux liquides que l’on applique au pinceau ou à la plume.
La technique dite des "trois crayons" combine trois minerais : la pierre noire, la sanguine et la craie, qui sont appliqués sur du papier teinté, un peu grenu, car la craie et la sanguine ne se fixent pas sur du papier lisse. La pierre noire est utilisée pour les traits et les ombres, la sanguine pour la coloration, et la craie blanche pour les lumières, permettant d’apporter des touches d’éclairage. Les portraitistes eurent abondamment recours à cette technique très en vogue à la Renaissance.

En 1794, Nicolas Conté, met au point un graphite artificiel composé d’un mélange de poudre de graphite et d’argile cuits pour faire face au déficit du graphite naturel (minéral de carbone).

Le croquis est une capture ou transcription très rapide d'une scène visuelle sur un support en deux dimensions. Il s'agit d'un dessin exécuté à main levée qui révèle l'essence de ce qui a été observé ou imaginé.

Mouvement artistique né en 1907.

Paul Cézanne remet en question la perception en perspective issue de la Renaissance Italienne. Il déforme les volumes et les plans, quitte à créer de « fausses perspectives ». Dans ses natures mortes, on peut observer simultanément différents points de vue et des décalages de plans. Par exemple, la table est montrée vue du dessus, alors que les fruits sont représentés vus de face. Il n’hésite pas à s’éloigner de la « justesse » du dessin, et à déformer les choses, si cela peut servir sa composition et mettre en valeur tel ou tel contraste qui l’intéresse, ou s’il veut mettre en avant une forme particulière.
Il aboutit aussi dans ses compositions à une grande simplification des formes et des surfaces colorées, de plus en plus géométriques, qui s’éloignent de la représentation réaliste de la peinture classique.

Suivant la voie ainsi ouverte Georges Braque et Pablo Picasso, les premiers, ont la volonté de représenter l’objet tel qu’il est, dans sa globalité, dans son intégralité, et non tel qu’on le voit de manière directe, c’est-à-dire du seul point de vue de notre oeil.

Voir à commissaire d'exposition.

Principe du rayogramme avec du ferricyanure de potassium et citrate de fer ammoniacal. Le nom vient du rendu final bleu cyan.

Décor utilisé en arrière-plan permettant d'effacer la limite entre le sol et le mur, créant ainsi un arrière-plan infini.

• Passage progressif d'une valeur à une autre valeur, d'une couleur à une autre couleur...

• Couleur dégradée : à laquelle on a ajouté du blanc (par opposition à rabattue à laquelle on a ajouté du noir)

Le dessin est une pratique bidimensionnelle fondamentale en art. Elle se décompose en réalisations de techniques, de natures et de statuts différents.

Elle est toujours actuelle ! Le dessin contemporain a son salon https://www.drawingnowparis.com/

Dessiner est souvent perçu comme la volonté de représenter ce qui est observé de la manière la plus « juste » : un objet, un paysage, un portrait etc. Toutefois, dès que l’on dessine, on fait des choix. En arts plastiques, ces choix, liés à la représentation, sont appelés « écarts », que l’objet soit observé, mémorisé ou imaginé. Ces choix ne sont pas dus au hasard mais sont étroitement liés à l’intention de l’artiste et aux moyens dont il s’empare (outils, support etc.). Ces choix sont porteurs d’une valeur expressive.

Dessiner peut également signifier explorer des outils, des gestes, des supports sans volonté de représenter. Le dessin est alors le lieu de formes imprévues, d’inventions graphiques, d’élaboration de langages inventés, telle l’exploration graphique réalisée par Paul Klee en 1922 sur le carnet de Nina Kandinsky (Portail Eduthèque : Paul Klee, Page du carnet de Nina Kandinsky, 1922)

Enfin, le dessin a également une autre fonction fondamentale en arts plastiques : il permet d’élaborer un projet. Par exemple, cette fonction peut être convoquée dans le cas d’un projet tridimensionnel, en sculpture ou en architecture : on dessine ce qu’on projette de réaliser. Il convient alors de confronter l’intention à la réalisation, tenant compte notamment des effets induits par la matière, les matériaux, etc.

Dans les musées, les oeuvres dessinées sont conservées au Cabinet des Arts Graphiques.

Voir une méthode pour analyser un dessin (de presse)

Voir le document sur le lexique des pratiques en arts plastiques sur Eduscol 

Voir l'affiche sur ce domaine artistique (en téléchargement)

Procédé très ancien de peinture à l’eau, remontant à l’Égypte antique, consistant en un mélange de pigments colorés, d’eau et de colle appliqué sur un support sec, à la différence de la fresque.

La couleur était délayée dans de l’eau additionnée d’un agglutinant à base de gomme et de colle, exempt de graisses, de résines ou de chaux, à la différence de la peinture à l’huile ou à l’encaustique.

La peinture à la détrempe est souvent confondue avec la peinture a tempera. L'aquarelle et la gouache sont deux techniques de détrempe. Les oeuvres peintes à l'eau se détériorent rapidement.

Faire très grand ou très petit

Voir l'analyse en animation du Musée du Louvre

« J’appelle dispositif tout ce qui a, d’une manière ou d’une autre, la capacité de capturer, d’orienter, de déterminer, d’intercepter, de modeler, de contrôler, et d’assurer les gestes, les conduites, les opinions et les discours des êtres vivants. » Giorgio Agamben dans son ouvrage Qu'est-ce qu'un dispositif ?, éditions Rivages Poche Petite Bibliothèque, 2014.

Pour aller plus loin...

Voir aussi à :

- dispositif de monstration

- dispositif de présentation

- dispositif d'exposition

Le dispositif d'exposition est pensé une fois le processus de création terminé, par l'artiste, le scénographe, le commissaire d'exposition, le conservateur de musée. Parfois les artistes participent au choix des dispositifs d'exposition (par exemple William Kentridge ou d'autres artistes scénographes) mais pour tous les artistes décédés, les dispositifs d'exposition sont mis en oeuvre par d'autres personnes, avec pour objectif de valoriser l'oeuvre aux yeux du public par un cadre, un piédestal, un socle, un affiche, le cartel, le vernissage, une scénographie, une mise en espace, une mise en scène, une théâtralisation.

Le dispositif n'est pas nécessairement pensé par l'artiste, ni intégré au processus de création mais imaginé a postériori, une fois l'oeuvre terminée et donnée à voir, cédée, léguée, achetée, prêtée, ...

Le dispositif de monstration désigne tout moyen mis en oeuvre pour montrer une réalisation artistique ou un objet. Le dispositif de monstration peut être déterminé par l'artiste (dans son atelier), le collectionneur privé (dans sa demeure), le cinéaste (séquence filmique), le journaliste (reproduction photographique ou video dans son article), le marchand, le critique d'art, le commissaire priseur ... Le dispositif de monstration n'a pas nécessairement d'objectif expositionnel (lié à une exposition muséale), il peut être documentaire ou commercial ou publicitaire et n'a donc pas nécessairement avec portée artistique (dans choix du lieu, de l'objectif).

Le dispositif de présentation peut se définir comme un ensemble de moyens (matériels comme les modalités d'accrochage, de positionnement sur un socle, dans un cadre, ... et immatériels comme la direction, l'intensité, la couleur de la lumière, les textes accompagnant, ...) pour donner à voir une oeuvre, l'offrir au public selon des choix, pensés par l'artiste, lors de son processus de création. C'est un dispositif d’exposition de l’œuvre pensé dès la conception de cette dernière. L'artiste dans son processus de création, intègre la manière dont sa création devra être donnée à voir.

Voir à dispositif

C’est la couleur qui domine par sa surface toutes les autres couleurs (la plus répandue).

Elle est souvent mise en valeur par un contraste de quantité, par une couleur tonique (vive, qui semble ponctuer le support) !

Voir à Ordres architecturaux

Plis dans un tissu dessinés, peints ou sculptés. Les sculptures semblent, par exemple, porter des voilages mouillés !

C'est véritablement le début de l’œuvre : elle sera réalisée au pinceau et en couleur sur le support vierge ou sur une première esquisse du sujet faite au fusain ou au crayon.

Rapports de grandeur. Relation entre la taille réelle des choses et leur représentation dans l’œuvre d’art ; relation entre la taille d’une esquisse et la taille de l’œuvre définitive ; relation entre la reproduction réduite d’une œuvre et l’œuvre originale.

Chaque plan correspond au rapport entre la dimension de l’image et celle du principal motif inscrit dans le cadre (dans le champ). L’échelle des plans permet de nommer et de décrire les plans représentés.

Dans un tableau, position de la ou des sources de lumière par rapport aux objets éclairés représentés dans l'oeuvre et manière dont cette lumière arrive sur eux.

Voir à estampage

Le nom dit bien ce qu'il veut dire, peindre par empâtements signifie qu'on charge son pinceau d'une grosse quantité de pâte colorée, ce qui aura pour effet de donner du relief et de l'opacité à la couche peinte.
La couleur utilisée sera épaisse, la plupart du temps non diluée.

Les techniques d'encadrement sont l'un des dispositifs de présentation possible pour les oeuvres bidimensionnelles (dessins, photographies, peintures, pastels, aquarelle,...).

L'action d'encadrer suppose aussi des choix pour mettre en valeur l'oeuvre : cadre (taille, couleur, style, ...), passe-partout ou marie-louise (couleur, taille, découpes en biseau ou pas), ...

Les deux encres les plus utilisées pour le dessin étaient l’encre de Chine, préparation à base de noir de fumée, recueilli lors de la combustion de chandelles, de résine ou de bois de pin carbonisé, mélangé à de la gomme arabique et dilué dans le l’eau, et l’encre végétale de noix (brou de noix) de galle, obtenue par décoction, additionnée de sulfate de fer, de gomme et d’essence de térébenthine.

Le dessin à la plume et à l’encre, tantôt libre et fluide, tantôt nerveux et anguleux, permet de mettre en évidence les lignes tout en suggérant le modelé par des hachures.

Une oeuvre éphémère désigne une œuvre dont la détérioration et la disparition, que ce soit par les éléments naturels, par son auteur ou par autrui, est prévue et anticipée par son auteur et intégrées dès le processus de création. Le processus de création intègre le processus de destruction de l'oeuvre. 

L'épure est la représentation d’un objet par sa projection sur trois plans.

Dessin technique utilisé par le charpentier, qui lui permet de trouver les coupes nécessaires à la réalisation de sa charpente. Géométrie descriptive très utilisée dans le domaine du design et de l'architecture.

L’espace est celui dans lequel l’œuvre s’inscrit matériellement. Il est donc essentiel de rencontrer des œuvres de visu afin de prendre conscience de leur existence matérielle au-delà des reproductions qui sont diffusées. En sculpture, on sera particulièrement attentif aux relations entre la matière et l’espace, dans lequel l’œuvre s’inscrit. De même, l’œuvre peut être conçue directement en relation au lieu dans lequel elle s’inscrit : en Land Art, certaines œuvres du Street Art, un retable, etc.

• L’espace est celui de l’artiste qui crée l’œuvre. Celui-ci est acteur avec son corps, il agit, bouge, évolue lorsqu’il réalise l’œuvre. Jackson Pollock effectue quasiment une danse lorsqu’il crée, Richard Long arpente le paysage dans lequel il crée.
• L’espace est celui du spectateur. « On ne regarde pas de la même manière une miniature, vue de près dans une sorte d’intimité, et une très grande peinture, qu’il faut prendre du recul pour bien voir ». Etienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Éditions PUF, p. 685

Le spectateur peut être amené à tourner autour d’une sculpture, déambuler dans une installation etc.

• L’espace est enfin celui de l’œuvre. Celui-ci peut être un espace représenté : « Un tableau peut représenter une tranche minime d’espace (dans un portrait, une nature morte) ou de grandes profondeurs, comme un paysage aux vastes horizons. » Etienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Éditions PUF, p. 687
• L’espace est également celui du tableau, comme le souligne le peintre Maurice Denis : « se rappeler qu’un tableau, avant d’être un cheval de bataille (...) ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées ».

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol

Ce mot vient de l'italien schizzare jaillir, éclabousser, suggérant l'idée de spontanéité et de rapidité dans la démarche d'un créateur. Fruit de l'imagination, l'esquisse ne répond à un souci ni de présentation ni d'achèvement puisqu'elle est l'état préliminaire d'un projet. Elle était destinée à demeurer dans l'atelier de l'artiste, servant à valider un contrat de commande, entre un commanditaire et l'artiste. Son format est presque toujours très réduit, sa technique hâtive mais plus aboutie que le croquis.

L’estampage est aussi une technique d’impression en relief ou en creux d’une empreinte reproduite sur une feuille (papier, carton, cuir, tôle…). L’estampage associe à la fois la technique du poinçon et du matriçage, en venant apposer la forme de la matrice sur une feuille. On parle de gaufrage lorsque cette technique de déformation par estampage est utilisée sur du papier, du tissu ou du carton relativement fin pour obtenir des motifs d'impressions en relief. Le timbrage associe l’estampage et des tracés à l’encre.

L’estampage désigne plusieurs variantes techniques. 

Embossage ou gaufrage (empreinte laissée sur un papier humidifié après passage sous la presse avec un support gravé ou des matériaux, sans utilisation d'encre) sont des termes synonymes.

L'estampe désigne le résultat de l'impression d'une gravure.

Le mot « estampe » déjà utilisé en ancien français sous les formes « estampe, estanpe, stampe » vient de l'italien stampa (impression, tirage, presse, estampe). Nicolas Poussin, en 1647, utilise déjà le mot au sens actuel d'image imprimée au moyen d'une planche gravée.

Exécutée d’après nature, afin de saisir la réalité sur le vif. L’étude peut être exécutée pour elle-même ou comme préparation d’une œuvre plus élaborée. Les études sont souvent présentées sous forme de fragments d'un intérêt particulier, visant à l'approfondissement et à une meilleure compréhension de la forme réalisée.

"De sa racine latine expositio, le terme exposition avant d'abord à la fois au figuré le sens d'explication, d'exposé, au propre le sens d'exposition (exposé à...) et le sens général de présentation".

Une exposition éphémère ne dure pas dans le temps ou est de courte durée et contient explicitement l'idée de cette dégradation dans le temps, de cette finitude programmée. Elle regroupe donc des oeuvres qui dans leur dispositif d'exposition ne sont pas destinées à perdurer ainsi. Les oeuvres d'une exposition éphémère sont elles-mêmes éphémères pour conserver cette temporalité.

Rappel : l'artiste anticipe et prévoit que son oeuvre éphémère se détériore et/ou disparaisse, par les éléments naturels ou par lui-même ou par autrui.

"Un expôt (terme francisé en 1976) désigne un élément mis en exposition, quelle qu'en soit la nature et la forme, qu'il s'agisse d'une vraie chose, d'un original ou d'un substitut, d'une image ou d'un son. Un simple objet de musée ou installation complexe sont des expôts (tout ce qui peut être exposé)".

Du latin fictio, -onis, de fictus, imaginé

Se dit des arts qui représentent tout sujet reconnaissable comme la peinture d’un objet, d’un paysage, d'une personne, d'un animal…

Tendance artistique qui consiste à figurer, à représenter le réel (monde sensible) de manière plus ou moins réaliste. Lorsqu’une peinture ou une sculpture n’est pas figurative, qu’elle ne représente rien d’identifiable, de reconnaissable, on dit qu’elle est non-figurative ou abstraite.

Ce mot a plusieurs sens. Il désigne le visage d’un homme, d’une femme ou d’un enfant. On parle par exemple de figure humaine. C’est également la représentation de quelque chose ou quelqu’un, ou simplement sa forme extérieure. C’est aussi un dessin utilisé en géométrie pour étudier l’espace et les formes.

La focale (encore appelée distance focale ou longueur focale) c’est la distance entre le centre optique de l’objectif et le foyer.

Au XIVe siècle le papier était fabriqué à la main. Chaque moulin avait ses propres « formes » et produisait des formats différents.

• La forme peut être celle de l’objet artistique : un tableau, une sculpture, une installation, etc. La forme se définit au sein même de l’œuvre : « la sculpture est la mise en forme d’un bloc (de pierre, de bois, de plâtre etc.), la peinture est la mise en place, sur une surface plane, de figures ou de formes, l’architecture est la mise en forme d’un édifice dans l’espace ». Etienne Souriau, Vocabulaire d’esthétique, Éditions PUF, p. 1140

• La forme peut être celle de l’objet représenté (voir aussi l'écart lié à toute représentation).

Une grande diversité de formes peut être observée et créée : élancée, verticale, horizontale, pesante, lisse, granuleuse, ronde, anguleuse, etc.

Technique de peinture murale particulière, sur enduit encore frais (humide).

La vraie peinture à fresque, ou buon fresco, demande que la plupart des pigments soient des couleurs terre en suspension exclusivement dans l'eau, et qu'ils soient posés sur un enduit de chaux encore humide. On n'emploie pas de chaux pure pour la peinture à fresque, car elle se resserrerait et craquerait. Pour éviter cet inconvénient, on la mélange d'habitude à du sable, à de la pierre finement pilée (souvent du marbre) ou à une substance organique fibreuse. Au fur et à mesure que l'enduit sèche, une fine pellicule se forme. Au contact de l'air, la chaux qui compose l'enduit humide et qui est à l'état d'hydrate de calcium se transforme progressivement en carbonate de chaux. Au cours de ce processus chimique, la chaux absorbe de l'acide carbonique contenu dans l'air et se cristallise. Elle incorpore ainsi les particules de pigment, et il en résulte une surface peinte dure et résistante.

En peinture, disposition de motifs sous forme de bandeau horizontal. Le terme issu de l'architecture s'est étendu à tous les arts décoratifs pour désigner une surface qui se déroule horizontalement.

En sculpture, on dit qu'une figure est représentée en position frontale quand ses épaules et son bassin sont parallèles. Les quatre côtés de la figure forment quatre plans qui se rencontrent à angle droit.

En architecture, le fronton désigne le couronnement d'édifice composé de deux parties de corniches obliques se rejoignant ou d'une partie de corniche circulaire, les unes ou l'autre se raccordant avec les moulures supérieures de la corniche d'un entablement et formant ainsi un triangle rectiligne ou curviligne, dont l'intérieur, appelé tympan, peut recevoir une décoration sculptée en harmonie avec la destination de l'édifice.

Ce terme vient du verbe frotter. Il s'agit en effet de frotter le support, mais en adaptant son geste pour utiliser et révéler la matière du fond et la faire participer à la matière picturale. Un frottis s'exécute donc sur une surface texturée, que ce soit une toile ou un support quelconque dont la couche d'apprêt ou l'enduit contient des sillons ou des empreintes plus ou moins profonds.

Charbon de bois de saule ou de fusain d'Europe (fusago) carbonisée en vase clos utilisé pour dessiner.

Le futurisme italien, faisait partie de ces mouvements du début du XXe siècle qui souhaitaient mettre à mal la vieille société et embrasser pleinement le modernisme. La revue Italia Futurista, publiée à partir de 1916 à Florence, fut leur dernier acte révolutionnaire et grandiloquent avant la Première Guerre mondiale.

Le futurisme est un mouvement artistique, littéraire, musical…

Trois villes vont devenir le foyer de cette avant-garde italienne : Turin, Gène et Milan. C’est le premier mouvement qui met par écrit ses idées en publiant le {Manifeste des peintres futuristes} en décembre 1908. Manifeste signé par Filippo Tommaso Marinetti, paru un mois plus tard dans la presse (Le Figaro en janvier 1909).

Les principaux artistes sont :
• Giacomo Balla (1871 – 1958)
• Carlo Carrà (1881 – 1966)
• Umberto Boccioni (1882 – 1916)
• Gino Severini (1883 – 1966)
• Luigi Russolo (1885 – 1947)

Ces artistes aiment représenter des automobiles, des avions, des bateaux. Pour eux, la machine et la vitesse symbolisent la modernité. Ils sont pour la guerre et contre la représentation du nu en peinture.

La principale préoccupation des futuristes est de rendre le mouvement dans les œuvres par sa décomposition, issue des recherches en chronophotographie.

Pour aller plus loin...

Une gaine est un support quadrangulaire, sorte de fût carré allant en s'amincissant de haut en bas. Ce piédestal évasé sert de meuble où l'on pose des bustes, des statuettes, des pendules ou d'autres objets.

Voir à estampage

Epreuve à la gélatine argentique (tirage argentique) : Il s’agit du procédé de développement argentique le plus traditionnel et le plus ancien. La pellicule, constituée d’un film support en plastique est recouverte d’une émulsion : une couche de gélatine sur laquelle sont couchés en suspension des cristaux d’halogénure d’argent ; pour les émulsions modernes il s’agit de bromure d’argent.

A partir de la Renaissance et jusqu’au XIX^ème siècle, les sujets des tableaux étaient classés par genres. Les genres sont liés aux connaissances esthétiques, scientifiques, littéraires, plastiques et culturelles d’une époque.

Voir aussi à

- hiérarchie des genres

- nature morte et vanité

- autoportrait et portrait

- scène de genre (vie quotidienne)

- peinture d'histoire, y compris religieuse et mythologique

- paysages, comme les marines

Le geste est entendu comme prolongement de l’action de l’auteur, en cela, il engage également le corps : amplitude ou retenue, maîtrise ou imprévisibilité, rythmes, vitesse.

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol.

Le terme giclée est le terme générique utilisé pour caractériser une impression d’art sur imprimante à jet d’encre haute définition grand format.

L’impression d’une giclée peut être réalisée sur différents supports plus épais que le papier, tels que la toile, les bâches.

Un glacis est une couche de peinture transparente que l’on superpose à une autre déjà sèche.

Son but est de ne pas recouvrir un fond, mais uniquement d’en nuancer la teinte. Ce doit être une consistance de peinture très légère, très diluée composée de couleurs transparentes, (laque carminée, garance, bleu de Prusse, vert émeraude, jaune indien, blanc de zinc,…).  Autant de couches peuvent être appliquées que nécessaire, du moment que le temps de séchage entre chacune d’elle est bien respecté. La superposition peut donc être illimitée, les effets n’en seront que meilleurs. 

Cette technique est utilisée pour créer des dégradés, des nuances très subtiles comme pour les ombres d'un visage. A l'origine, c'est une technique de la peinture à l'huile, mais il est possible aussi de faire des glacis avec de la peinture acrylique (très diluée à l'eau, et/ou avec l'ajout de médium à glacis). 

Dans la technique du sfumato, l'utilisation de glacis est obligatoire.

Procédé photographique non argentique inventé au milieu du XIX^e siècle, consistant à utiliser de la gomme arabique et du bichromate de potassium.

C'est surtout un procédé qui permet de travailler à la fois avec les outils du peintre et ceux du photographe : les pinceaux, les pigments et les négatifs.

Explications en vidéo : https://youtu.be/3nkxEX6OEZU

Comme pour l'art roman, l'art gothique se décline en sculpture. Mais le domaine de l'architecture est le plus représentatif.

L'architecture gothique ou art français (en latin francigenum opus) est un style architectural d'origine française qui s'est développé à partir de la seconde partie du Moyen Âge en Europe occidentale. Elle apparaît en Île-de-France et en Haute-Picardie au XII^ème siècle.

Il existe plusieurs périodes et évolutions : 

• Le gothique primitif ou protogothique : 1130-1180

• Le gothique classique : Chartres contre Bourges 1180-1230

• Le gothique rayonnant : 1230-1380

• Le gothique international : l’âge des princes, 1380-1420

• Le Gothique flamboyant : 1420-début XVI^ème siècle

L'esthétique gothique et ses techniques se perpétuent dans l'architecture française au-delà du XVI^ème siècle, en pleine période classique, dans certains détails et modes de constructions. Enfin, un véritable renouveau apparaît avec la vague de l'historicisme du XIX^ème siècle jusqu'au début du XX^ème siècle. Le style a alors été qualifié de néo-gothique.

Procédé de peinture opaque, préparée avec une solution d’eau et de colle à base de gomme arabique, mêlée de blanc, de liants et d’ingrédients qui la rendent pâteuse et lui donnent son opacité. Les pigments, dilués dans cette solution aqueuse, sont appliqués au pinceau et sèchent rapidement. La gouache, à la différence de l’aquarelle, ne permet pas les transparences : le blanc du papier ne jouant aucun rôle, la lumière doit être suggérée par le moyen de la peinture.

Un objectif grand angle est un objectif à courte focale. L'effet de cette courte focale est de permettre un cadrage large d'objets rapprochés dont on ne peut pas s'éloigner. Par exemple, il peut servir à photographier un paysage dans son ensemble sous la forme d'un panorama. On peut choisir aussi d'utiliser ces objectifs pour accentuer les perspectives.

L'effet de perspective d'un grand angle tend à faire paraître divers plans d'une même image plus éloignés les uns des autres qu'en réalité, à l'opposé des téléobjectifs qui tendent plutôt à « resserrer » les sujets dans un seul et même plan.

Qui a des dimensions équivalentes aux dimensions naturelles de la taille humaine (échelle 1). Une figure humaine grandeur nature mesure entre 1m60 et 1m80.

Procédé de reproduction des images qui consiste à graver une matrice sur une planche (bois ou cuivre par exemple) avant encrage et impression. La gravure peut être en relief, en creux, à plat ou au pochoir ; manuelle ou avec des procédés chimique comme l'acide.

Il existe deux grandes gammes de gris, les gris colorés ou riches et les gris pauvres.

• Les gris colorés sont des gris obtenus par le mélange des trois couleurs primaires, avec des dosages différents en fonction du ton voulu.
• Les gris pauvres sont issus du mélange de noir et de blanc.

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Personnage neutre ou animal, dessiné dans une élévation, une coupe ou une perspective architecturale pour donner l’échelle et une apparence de vie.

Très stylisé en dessin, il est avec les représentations 3D remplacé par une photographie d’un personnage. Le Corbusier préférait placer des voitures comme éléments de référence donnant l'échelle de ses architecture. 

 En sculpture, réunion de deux ou de plusieurs figures en ronde bosse sur un même support qui concourent à une même action ou sont unis dans une situation commune.

Oeuvre obtenue par empreinte de poisson.

Voir détail sur http://gyoan.chez.com/procede.htm

 Il existe 4 types d'harmonies colorées, inspirées des harmonies musicales ou poétiques :

• assonance
• dissonance
• consonance
• imitative

Le hasard exprime l’incapacité de prévoir avec certitude un fait quelconque. Ainsi, pour éclairer le sens du mot, il est souvent dit que hasard est synonyme d’« imprévisibilité », ou « imprédictibilité » On attribue l’origine du mot hasard à l’arabe « al-zahr » signifiant à l’origine « dés » et ayant pris la signification de « chance », car il désigna jusqu’au XIIe siècle un jeu de dés, mais aussi par métaphore tous les domaines relevant de la « science de la Chance » (Averroès).

Dans le champ de la sculpture, œuvre dont des parties en relief se dégagent presque entièrement du fond mais sans être totalement pas détaché (entre le bas-relief et la ronde-bosse).

Voir aussi à sculpture, bas-relief, ronde-bosse et pratiques tridimensionnelles.

André Félibien (architecte et historiographe français) posa la hiérarchie des genres en 1667 dans une préface des Conférences de l'Académie  :

« Celui qui fait parfaitement des paysages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes et sans mouvement ; et comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est certain aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres ... un Peintre qui ne fait que des portraits, n'a pas encore cette haute perfection de l'Art, et ne peut prétendre à l'honneur que reçoivent les plus savants. Il faut pour cela passer d'une seule figure à la représentation de plusieurs ensemble ; il faut traiter l'histoire et la fable ; il faut représenter de grandes actions comme les historiens, ou des sujets agréables comme les Poètes ; et montant encore plus haut, il faut par des compositions allégoriques, savoir couvrir sous le voile de la fable les vertus des grands hommes, et les mystères les plus relevés. »

Voir aussi à genre.

Espace en dehors de l’image que le spectateur peut imaginer.

L’Hyperréalisme se situe au-delà des capacités visuelles de l’oeil et, pour cela, recourt à la photographie. D’où son autre nom de photoréalisme, plus couramment utilisé outre-Atlantique. Il nous propose une vision photographique du réel. Ainsi, lorsque Robert Bechtle peint un portrait de famille devant une voiture de la fin des années 1950, il se préoccupe moins de l’évocation nostalgique d’un certain mode de vie banlieusard que de restituer l’effet d’aplatissement de l’espace produit par l’appareil photo. Pour les peintres hyperréalistes, le sujet n’est jamais qu’un prétexte. Ce qui les intéresse vraiment, c’est l’aspect photographique de la chose représentée. Ils peignent d’après des photographies projetées directement sur la toile. Pourtant chacun adopte un registre iconographique précis. Richard Estes se spécialise dans les reflets des vitrines. Audrey Flack photographie des natures mortes symboliques observées par en dessous. Le regard reste une objectivité glacée.

À l’origine, le terme icône désignait toute image religieuse, de différentes techniques (peinture, mosaïque, orfèvrerie, tissu…).

L’icône est un type d’image (« sainte image » selon la tradition chrétienne) bien particulier qui a vu le jour pendant la période byzantine dans la religion chrétienne orthodoxe. 

Ses caractéristiques plastiques sont : essentiellement le fond uni, en aplat, doré, symbole d'un espace divin, impalpable, des cernes pour délimiter les formes, des couleurs vives, une forte lisibilité sans ambiguïté (comme les images signalétiques),  un regard avec de grands yeux, des couleurs réparties en aplat, des images univoques, une relation particulière à l’écriture.

Le degré (ou échelle) d'iconicité se mesure dans l'écart entre le réel et sa représentation.

En peinture surtout, imitation de la réalité par des effets de modelés et de perspective qui donnent l'illusion du relief ou de la profondeur.

L’image est une représentation de quelque chose ou de quelqu’un par un procédé manuel (le crayon, la peinture, etc.) ou mécanique (l’appareil photographique, vidéo …). C’est aussi une représentation imprimée où ce qui est reproduit ou imité évoque quelque chose ou quelqu’un.
On distingue deux grandes familles d’images : l’image fixe et l’image animée ou mobile.

L’image virtuelle est une image qui n’a pas d’existence propre, issue d’une projection lumineuse ou d’un reflet. L’image numérique est une image scannée, stockée, diffusée ou imprimée par un ordinateur. L’image de synthèse est une image numérique qui est totalement créée par des calculs informatiques.

Voir aussi à statut de l'image

ou impression numérique

Elle désigne aussi une technique d’impression de tissu.

Voir détail sur cet article ...

Une installation in situ (dans le site, en latin) tisse un rapport étroit avec le lieu qui l'accueille, son histoire, ce qu’il représente, la façon de percevoir du spectateur, l’espace formel... Déplacée dans un autre lieu, l'oeuvre perdrait son sens, sa raison d'exister.

Impression du tirage par une imprimante jet d’encre.

Ces encres peuvent être liquides ou de pigments. Ce procédé sans contact permet l’impression sur différents matériaux.

L’installation est un déploiement d’objets ou de sculptures dans un espace formant un tout.

Lorsque l’œuvre est spécialement conçue pour un lieu et entre en relation avec celui-ci, elle est nommée « in situ ». Voir la définition d'in situ.

Voir à Ordres architecturaux.

Dessin exécuté au pinceau avec de l’encre noire, bistre ou sépia diluée dans de l’eau. Utilisé depuis le XVIe siècle, le lavis est une technique très répandue pour colorier un dessin ; il permet de donner une teinte à un dessin le plus souvent à la plume, mais aussi à la pierre noire ou au graphite. Le lavis se distingue de l’aquarelle car il est en général monochrome et sert surtout à rehausser un dessin au trait et non à peindre directement. Le lavis gris ou brun, obtenu à partir d’une encre de Chine plus ou moins diluée, est habituellement utilisé pour figurer les ombres et rendre le modelé. Il existe aussi des lavis de couleurs, supplantés au XIXe siècle par l’aquarelle.

Lettre ou initiale qui rythme les principales divisions du texte d'un manuscrit ou d'un parchemin.

La ligne claire (Klare lijn en néerlandais) est un langage graphique issu de l’école belge de bandes dessinées réunie autour d’Hergé, c’est-à-dire le « style Tintin » associé aux dessinateurs du journal du même nom. Il s’agit, à la base, d’un dessin caractérisé, après la réalisation des crayonnés, par un trait d’encre noire d’épaisseur constante. 

Ce sont les lignes que l'artiste trace en fonction du format (diagonales, axes de symétrie, règle des tiers...) afin de placer les éléments visibles sur son support (personnages, décors, axe de lumière, ombres...).

Voir à composition

Les lignes de force sont des axes, des directions qui sous-tendent des éléments visibles mais sans lien avec le format.

Axes et directions qui sous-tendent des éléments visibles (en peinture, dessin, photographie, sculpture, architecture...) et guident le regard mais sans lien avec le format.

A ne pas confondre avec ligne de composition !

La linogravure est une technique de gravure qui se pratique en taille d'épargne (technique consistant à enlever les blancs ou « réserves » du résultat final, l'encre se posant sur les parties non retirées, donc en relief, le papier pressé sur la plaque conservant l'empreinte de l'encre), proche de la gravure sur bois (xylogravure), et se pratique sur un matériau particulier, le linoleum.

La lumière joue un rôle essentiel dans la perception de l’œuvre : elle la rend visible. Selon ses qualités, elle donne aux surfaces et aux couleurs des apparences différentes et produit des ombres essentielles à la compréhension des volumes en sculpture ou en architecture.

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol.

Terme d'encadrement.

C'est un encadrement qui s'utilise comme un passe-partout mais sans verre et plutôt sous forme toilée pour encadrer les peintures et donc conserver visible, perceptible leur matérialité.

Les genres du mashup

Entre hommage, réappropriation et outil critique, des « genres » du mashup apparaissent : bandes annonces détournées, films suédés, détournements, supercuts, clips musicaux, projets autour de Google,…

Festival du Mashup : http://www.mashupfilmfestival.fr/salon/mashup-tv/

Voir à Supercut

Caractérise ce qui est matériel, concret. Donc la matérialité de l'oeuvre est à étudier à travers les qualités physiques du support, de l'outil, du médium, du vernis...

Le bois, le fer, le papier, la toile etc. sont des matières, appelées matériaux à partir du moment où elles sont utilisées au sein des œuvres.

Traditionnellement en sculpture, marbre, grès, bois, etc. étaient utilisés. Les matériaux se sont ouverts à la diversité au cours du XXe siècle : plexiglas, plâtre, acier, béton etc. L'artistes se montrent attentifs, utilisent, révèlent, jouent, mettent en valeur les propriétés de la matière. Cette même réflexion vaut pour les œuvres bi-dimensionnelles, où l’on prêtera particulièrement attention à la diversité des matières comme médiums : peinture à l’huile, peinture acrylique, gouache, aquarelle, encres mais aussi marc de café, thé, matières visqueuses (goudron, émail chez certains artistes), etc.

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol.

Figure de style qui consiste à remplacer un élément par un autre avec lequel il est en rapport, par un lien sous-entendu : la cause pour l’effet, le contenant pour le contenu, l’artiste pour l’œuvre, la ville pour ses habitants...

  Le maître sculpteur modèle la terre pour obtenir une sculpture qui est ensuite moulée en plâtre à reproduire par un atelier. Le maître est donc libéré de la réalisation de son œuvre qui est effectuée par des assistants :

• Le metteur au point : il taille le bloc pour approcher la forme à 2 ou 3 cm du fini.

• Le praticien : il sculpte la forme exacte au marbre ou à la pierre en respectant le modèle en plâtre. Il s'agit souvent d'un excellent sculpteur mettant son savoir-faire au service d'un maître.

Voir aussi à Taille

Art qui découle de la technique de l’enluminure, où l’utilisation d’un pigment rouge, le minium, pour orner les manuscrits a donné le mot miniature. Né au XVIe siècle, la miniature est réalisée avec de la gouache ou de l’aquarelle sur parchemin, velin ou ivoire et parfois avec de la peinture émaillée sur cuivre, pour une oeuvre de petit format sur un objet de valeur, le plus souvent ovale ou rond, ne dépassant pas le décimètre carré.

La mise au carreau est un procédé de reproduction de réduction ou d'agrandissement d'un dessins par quadrillage. Le dessin à reporter est quadrillé de lignes perpendiculaires tracées régulièrement, formant ainsi des carreaux qui servent de repères.

ou mise en abîme 

Procédé consistant à représenter une œuvre dans une œuvre similaire, par exemple dans les phénomènes de « théâtre dans le théâtre », ou encore en incrustant dans une image cette image elle-même.

La mise en espace fait dialoguer (harmonie ou opposition, conflit) l'oeuvre avec son lieu d'accueil et avec les autres éléments s'y trouvant (autres oeuvres, spectateurs).

La mise en espace c'est le « Pourquoi », le « Comment », le « Où » et le « Avec quoi » exposer une oeuvre.

Le sculpteur connaît deux procédés pour modeler la matière :

- le procédé de modelage par accumulation de matière

- le procédé de modelage par suppression de matière.

Mais, bien souvent, c’est en combinant les deux procédés que le sculpteur façonne son œuvre.

En peinture, en dessin et en sculpture, le modelé est la manière de rendre les reliefs et les volumes.

(mot italien)

Voir aussi à "carton". Ébauche avant l’exécution de l’œuvre, souvent mise au carreau c’est-à-dire quadrillée pour une reproduction de plus grandes dimensions.

" Mono" = un + "chrome" = couleur : oeuvre réalisée avec une seule couleur (sans aucune nuance dans la teinte)

Qui a les caractères d'un monument par ses grandes dimensions. Le monumental est aussi une catégorie esthétique : un style, une œuvre, une forme d'art qui joignent à la grandeur matérielle un caractère imposant et majestueux où les formes d'ensemble sont plus importantes que les détails du décor.

Synonyme : colossal

Dessin ou forme unitaire sculptée ou peinte qui se répète ou se développe de manière décorative.

On situe l’origine de cette technique vers l’Âge du Bronze ; on la retrouve plus tard en Egypte (sous l’Ancien Empire) où elle se développe à travers la fabrication de masques mortuaires en plâtre.

Au XIXème siècle, lorsque se constituent les grandes collections publiques ou privées de plâtre, la technique du moulage offre la possibilité de multiplier les reproductions d’œuvres célèbres.

La technique du moulage consiste à fabriquer un moule qui prendra l’empreinte d’une œuvre modelée ou d’un modèle vivant et à couler dans ce moule une ou plusieurs épreuves en plâtre ou en cire. Grâce au moulage, le sculpteur peut tirer une ou plusieurs répliques exactes à partir d’un modelage réalisé dans un matériau fragile comme l’argile.

On distingue deux procédés fondamentaux pour réaliser le moulage d’une œuvre : le moulage à creux et le moulage à creux perdu.

La couleur des murs des lieux d'exposition est un bon objet de réflexion pour introduire à la vaste question de la présentation des œuvres d’art dans un musée.

Terme du XVIIIème siècle.

Ensemble des techniques requises pour remplir les fonctions muséales et particulièrement ce qui concerne l'aménagement du musée, la conservation, la restauration, la sécurité et l'exposition.

Tendance de l’art narratif, dont le nom s’inspire du titre « Mythologies quotidiennes » donné par Gérard Gassiot-Talabot à une importante exposition qu’il avait organisé au Musée d’art moderne de la ville de Paris. Les mythologies personnelles revêtent souvent l’aspect d’enquêtes minutieuses, d’accumulations de documents, de traces et objets permettant de reconstituer un passé, un évènement, une mémoire.

Mot hébreu signifiant "Prophètes"

D’abord qualifiée de synthétisme, la peinture des Nabis est bientôt rebaptisée « néo-traditionnisme » par Maurice Denis qui publie dans la revue Art et Critique des 23 et 30 août 1890 « La définition du néo-traditionnisme ».

Représentation d'un récit, d'une histoire, sous forme d'image fixes, animées ou vidéos.

Peinture ou photographie représentant des objets (comme des fruits, des fleurs, des vases, etc.) ou des animaux inanimés. L'un des genres en art, le plus "mineur".

Voir aussi à genre et hiérarchie des genres

Un négatif sur papier est une image négative obtenue sur une feuille de papier sensible à la lumière, exposée dans une chambre photographique.

Suivant de très près celle du daguerréotype, son invention fait entrer la pratique de la photographie dans son ère moderne en introduisant pour la première fois le procédé « négatif-positif », qui permet la réalisation de tirages multiples à partir d’une même image négative.

Il existe différentes techniques regroupées sous le vocable « négatif sur papier », souvent difficiles à différencier les unes des autres, qui sont toutes des variantes du procédé breveté en 1841 par William Henry Fox Talbot à la suite de sa découverte du dessin photogénique : le calotype - dit aussi talbotype.

En architecture, la niche est parfois encadrée de colonnes ou de pilastres. C'est un enfoncement pratiqué dans l'épaisseur d'une paroi pour abriter un objet.

Pratiquée à l’extérieur (en façade ou en encoignure) ou à l’intérieur d’un bâtiment, son fond peut être plat ou semi-circulaire (en cul-de-four). Dans l’art religieux, la niche est souvent destinée à recevoir une statue de saint(e) — auquel cas on parle de « niche votive » —, tandis que dans l’art funéraire, elle sert à abriter une urne cinéraire.

L’art non figuratif ne représente rien que l’on puisse reconnaître, contrairement aux représentations de la réalité. On emploie également le mot abstrait. L’art abstrait (ou abstraction) est une forme d’expression artistique au même titre que l’art figuratif. Il apparaît au début du XXe siècle avec l’art moderne, et constitue encore un pan important de l’art contemporain.

Le critique Pierre Restany a lancé le terme Nouveau Réalisme dans un manifeste du 16 octobre 1960. Le 27 octobre, il fondait le groupe du même nom au domicile d’Yves Klein. Pierre Restany avait perçu un dénominateur commun entre les démarches fort différentes des divers artistes réunis sous cette étiquette : « un geste fondamental d’appropriation du réel ». Sa définition du Nouveau Réalisme, « de nouvelles approches perspectives du réel » tenait compte de la diversité des motivations. Le groupe en tant que tel a existé trois ans, jusqu’à la date de la dernière exposition collective en 1963.

Désigne chacun des degrés d’une même couleur, il en existe des milliers. Par exemple, pour le rouge : Vermillon, Cerise, Sang de bœuf, Carmin, Magenta ...

Voir à nuance.

Verbes d'action qu'il est possible de mettre en oeuvre dans une réalisation bi ou tridimensionnelle.

Les ordres, en architecture, déterminent les proportions, les formes et l’ornementation de toute partie construite en élévation (en particulier des colonnes, des pilastres, des supports, des entablements).

Les outils sont :

• ceux du quotidien (pinceaux, crayons de papier, stylos bille, etc.)
• ceux plus spécifiques (brosses, couteaux, spatules, tubes, pot, calames, fusains, plumes, pastels gras, mines graphites, etc...)
• ceux détournés (main, charbon de bois, brosses variées, plumes d’oiseau, craies à tableau, etc.)
• ceux inventés (raclettes, morceaux de carton fort, pinceau rallongé par une baguette, etc.).

Ils peuvent déposer de la matière (pinceau), ou creuser, graver (baguette de bois...), gratter, griffer, estomper... 

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol.

Voir à Pinceaux

Voir plus de détails...

Outils expographiques = outils de présentation = mobilier de présentation 

Ensemble des mobiliers et moyens techniques utilisés pour la mise en espace des expôts. On distingue ceux destinés à l'espace (cloisons, estrades, ...) et ceux qui sont utilisés comme support (cadres, panneaux, socles, vitrines, ...).

L'emploi de l'albumine (ou blanc d'oeuf) pour la prise de vue avait déjà été suggéré par Niépce de Saint-Victor en 1847, mais il fut rapidement remplacé par l'emploi de gélatine.

A la même époque, on utilisa le blanc d'œuf pour l'obtention des tirages positifs sur papier. Ce procédé sera très utilisé jusqu'au début de ce siècle.

D'un point de vue technique et chimique, il s'agit plus ou moins du même procédé que le papier salé. Le rendu final, par contre, est plus satiné et plus détaillé, l'albumine bouchant les pores du papier et empêchant ainsi que l'image ne s'enfonce dans l'épaisseur du papier.

Dans les vieux manuels il était conseillé d'utiliser des oeufs de vieilles poules... car l'albumine ainsi produite est plus fluide et plus tenace... et qu'il faut également laisser fermenter au moins deux semaines le produit avant emploi...(prévoir une pince à linge pour appliquer sur le nez, mais ce n'est pas dit dans les manuels !).

Compléments sur https://www.photo-arago.fr

Compléments sur https://youtu.be/AnJebG6h7Dk

Le papier baryté est à l’origine un papier photo destiné au tirage argentique en noir et blanc. C’est un support épais qui offre une surface glacée très lisse et un blanc obtenu à partir de sulfate de baryum (ou baryte).

Il est très apprécié des spécialistes pour sa très bonne conservation dans le temps, sa tenue en main et son très beau rendu, avec des noirs très profonds.

Du latin parietis "paroi", l'art pariétal désigne l’art préhistorique regroupant les dessins, les peintures et les gravures réalisés sur les parois des grottes. On dit aussi "art rupestre" mais dans ce cas, les représentations sont sur la roche, à l'air libre.

http://www.pole-prehistoire.com/index.php/fr/decouvrir/les-ressources-en-ligne/expositions-virtuelles/73-hommes-et-cultures/94-quel-genre-d-art-pratiquait-cro-magnon

Terme d'encadrement.

C'est un encadrement en carton posé sur une œuvre d'art ou une reproduction. La fonction première du passe-partout est de créer un espace entre l'œuvre et le verre de l'encadrement de façon à protéger l'œuvre d'un contact direct. Il assure également une fonction décorative.

A ne pas confondre avec la Marie-Louise, qui s'utilise sans verre et plutôt sous forme toilée pour encadrer les peintures.

Pratique bidimensionnelle, peindre est souvent considéré comme un remplissage. Peindre sans dessiner au préalable permet de faire évoluer cette représentation et de faire des choix en fonction d'intentions. Explorer la peinture en termes de formes, de passages d’une couleur à l’autre... permet de travailler avec la diversité des couleurs et d'apprendre à fabriquer ses propres couleurs. La peinture est également envisagée pour sa matérialité, son épaisseur. Elle peut se déposer en couches épaisses (empâtement) ou très liquides (glacis). Elle laisse voir les gestes et les traces des outils utilisés.

Le peintre Pierre Soulages « conçoit ses couteaux à peindre avec des morceaux de semelle de cuir, des raclettes de caoutchouc, de vieux pinceaux rigidifiés par la peinture, des tiges de bois, des planches brisées, toutes échardes dehors, d’autres encore entourées de chiffons... ». Cité dans le dossier du Centre Pompidou Paris

Voir le document sur le lexique des pratiques en arts plastiques sur Eduscol

Mots associés :

• Techniques de peinture : peinture à l'huile, peinture acrylique, gouache, peinture vinylique, techniques mixtes
• Touche du peintre (trace)
• Glacis # Empâtements
• Châssis (format)
• Chevalet
• Palette
• Les supports : toile, bois, carton, tissu, roche...
• Les outils : pinceau, couteau, brosse, doigt...
• Atelier # Pleinairisme

Voir une méthode d'analyse d'une oeuvre picturale

Voir l'affiche sur ce domaine artistique (en téléchargement).

Une pellicule photographique (ou film) est un support souple recouvert d'une émulsion contenant des composés sensibles à la lumière, généralement à base d'halogénures d'argent.

Leur configuration (taille et forme des cristaux notamment) détermine les caractéristiques du film comme la sensibilité et la définition.

La sensibilité (notée en ISO)

Plus le chiffre devant l’iso est faible, par exemple : 50 iso = pellicule est peu sensible à la lumière. Vous devrez donc l’utiliser dans un environnement très lumineux : grand soleil, montagne enneigée. En contre partie, votre pellicule aura ce que l’on appelle un « grain » plus fin.  Même en agrandissant votre photo, les détails de l’image seront respectés très fidèlement. Les contrastes et la finesse du grain rendront votre photo très réaliste.

Dans des conditions moins lumineuses : par exemple un ciel très nuageux ou bien des photos en intérieur, préférez une pellicule 400 iso. Enfin, si vous voulez prendre des clichés la nuit ou la lumière d’une bougie optez pour une 1600 ou 3200 iso. Dans ce cas, votre pellicule sera plus sensible. Si vous utilisez une pellicule très sensible dans des conditions plutôt lumineuses, vous obtiendrez une photo plutôt « granuleuse », avec un gros grain.

Une oeuvre est un pendant quand elle a été réalisée pour répondre à une autre œuvre dans sa forme et dans son sujet.

La performance est une pratique qui définit une oeuvre par le moment de sa réalisation, c’est une oeuvre sous forme "d’évènement". L'artiste ne produit plus une peinture, un dessin ou une sculpture mais propose une action au public. Il est possible de connaître des performances par les traces mémorielles (vidéos, photographies, témoignages) que les artistes, commissaires d'exposition ou encore le public en ont gardées.

La performance se construit en réalisant une idée par un geste. Elle a historiquement toujours eu pour but de mettre en scène une forme d’expérimentation, d’ouvrir de nouveaux champs de recherche et d’engagement, de transgresser la norme, de questionner la production artistique et d’engager le spectateur dans le processus.

La performance a permis d’ouvrir un espace extrêmement large de pratiques interdisciplinaires et de croisement de ces pratiques avec les nouveaux médias. L’histoire de la performance a plus de 100 ans. Elle commence avec les premières actions des artistes du mouvement Dada et continue jusqu’aux performances engagées de la décennie 60-70 et continue jusqu’à nos jours. La réémergence de la performance dans la période qui a suivi la deuxième guerre mondiale, telle que décrite par l’artiste américain Robert Rauschenberg, traduit le désir de "combler le fossé entre l’art et la vie".

Cette intention se caractérise par un intérêt essentiel pour la société et pour la vie quotidienne, poussant le spectateur au coeur du travail artistique et, inversement, le travail artistique 

Spécificité des musées d'arts décoratifs, aussi utilisée dans d'autres expositions, sorte de restitution, une period room est la reconstitution d'un décor intérieur illustrant une période donnée. Ici, loin d'une quelconque vérité historique, l'articulation entre les objets est uniquement régie par leur capacité individuelle à créer une illusion.

En histoire de l’art, ce terme désigne les procédés de représentation de la profondeur spatiale et des objets en trois dimensions sur un support en deux dimensions. C’est avec la Renaissance, à partir du XVe siècle en Italie, que la perspective fait vraiment l’objet d’une recherche scientifique. Brunelleschi et Alberti, deux artistes de cette période, mettent au point une théorie suivie et adaptée ensuite par les peintres. La perspective se construit de façon mathématique.
Léonard de Vinci développe ce qu’on appelle la perspective atmosphérique : les objets lointains ont des contours plus flous, les contrastes s’estompent et les couleurs deviennent bleutées. La question de la représentation de la perspective est liée à l’idée que l’art doit imiter la nature ; cette idée domine la création artistique en occident, de la Renaissance jusqu’au XIXe siècle.

Mots associés :

• Isométrie
• Axonométrie
• Cavalière
• Point de fuite : voir les explications sur ce site

• Linéaire
• Atmosphérique

• Perspective hiérarchique : Différences d'échelle reflétant la hiérarchie entre des personnages.

Terme polysémique.

En photographie :  image photographique obtenue sans utiliser d'appareil photographique, en plaçant des objets sur une surface photosensible (papier photo ou film) et en l'exposant ensuite directement à la lumière. Synonyme : rayogramme.

Au cinéma : le photogramme est la plus petite unité de prise de vue, l'une des images fixes élémentaires dont un film est constitué, à raison de 24 images par seconde à la cadence normale de prise de vues.

Voir l'affiche consacrée à ce domaine artistique sur ce site

Voir une méthode pour analyser une photographie

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Dans la photographie contemporaine, deux tendances s’opposent diamétralement : l’esthétique de l’instantané et la manipulation.

Cette manipulation peut intervenir au niveau du sujet représenté par une mise en scène, ou au niveau du tirage lui-même selon des procédés les plus divers (on parlera d’image fabriquée). Les techniques de manipulation peuvent être très simples.

La photographie plasticienne concerne toute œuvre effectuée sur un support photographique argentique ou numérique, qui s’ancre dans une démarche de création. Cette catégorie implique de nombreuses déclinaisons reposant tant sur l’usage fait de ces photographies que sur leur mise en œuvre. Il est utile de préciser ici quelques pratiques relevant de cette catégorie :

- la photographie retouchée ou manipulée 

- la photographie comme matériau, élément de la composition 

- la photographie comme trace mais exposée pour elle-même  

- la photographie comme médium de l’art contemporain

Voir l'affiche sur ce domaine artistique (en téléchargement)

Voir aussi à collage

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Voir à Bulle (Bande-dessinée)

Le piédestal est un support d’assez grandes dimensions, composé de trois parties (la base, le dé et la corniche), supportant une sculpture.

Petit piédestal servant de support à un buste, un vase, une colonnette. Il peut être, ou non, du même matériau que la sculpture supportée. Il se compose d'une base carrée ou circulaire à bandes plates ou à moulures convexes. De cette base monte en se rétrécissant une sorte de talus qui aboutit à une corniche carrée ou circulaire de dimensions bien inférieures à celles de la base.

Aussi appelée « pierre d'Italie ».

Outil de dessin au noir sombre et mat, constitué d’ampélite (schiste), utilisé pour les esquisses, mais aussi pour les dessins plus raffinés. Il a été très utilisé pendant la Renaissance, souvent sur papier gris ou brun, et souvent accompagné de rehauts de gouache blanche, d’encre de Chine sèche ou en lavis, de lavis de bruns ou encore de sanguines. La pierre noire employée avec la sanguine et la craie blanche est une technique dite « aux trois crayons ».

Les pigments colorés désignent une poudre donnant la couleur.

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Pilier engagé dans un mur, un support ; colonne plate formant une légère saillie.

La racine de ce terme, qui veut dire « salle qui contient une collection de tableaux », vient du latin pinacotheca, dérivé du grec πινακοθήκη, pinacothêkê, formé des deux mots πίναξ, pínax (génitif πίνακος, pínakos ), tableau et de θήκη, thêké, boîte, dépôt.

Une pinacothèque est un musée exposant des œuvres picturales. Ce terme est généralement utilisé pour désigner des musées en Italie et en Allemagne.

Un pinceau est composé de 3 éléments :

• Le manche ou hampe : en bois, plume, métal ou plastique ;
• La virole : en métal, plastique ou plume et fil ;
• La touffe : en poils naturels ou en fibres synthétiques.

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Dans une peinture, partie définie par sa distance au spectateur. Les plans suggèrent un espace en profondeur. Le premier est celui qui se trouve le plus en avant par rapport au point de vue du spectateur, les autres s'échelonnent dans la profondeur jusqu'à l'arrière-plan.

Au cinéma, le plan est une unité de temps, une prise de vues, comprise entre la mise en marche de la caméra et son arrêt. Pour simplifier, le plan est la scène filmée entre les deux mots magiques du tournage, « Action ! » et « Coupez ! ». Un ensemble de plans situés dans le même temps et dans le même lieu est une séquence. En résumé, le plan est le morceau de film tourné sans interruption et sélectionné au montage entre deux raccords.

En architecture, le plan de sol est une vue de dessus qui représente la disposition des espaces dans un bâtiment, à la manière d'une carte, pour un étage du bâtiment. C'est une section horizontale d'un bâtiment (à un mètre au-dessus du sol), représentant notamment les murs, les portes et les fenêtres. Le plan de masse est destiné à montrer une vue d'ensemble d'un projet, du dessus, incluant les limites de propriété, les accès, et les structures environnantes et les connexions aux réseaux (eau, électricité, communications...).

Voir aussi à échelle des plans.

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Voir à angle de vue.

La plume servait à la fois à écrire et à dessiner. Le dessin à la plume et à l’encre, tantôt libre et fluide, tantôt nerveux et anguleux, permet de mettre en évidence les lignes tout en suggérant le modelé par des hachures.

On distingue trois sortes de plumes :

- les plumes de roseau, qui donnaient un trait large, net et dur, sans plein ni délié, en raison de la taille carrée

- les plumes d’oiseau (plumes d’oie le plus souvent, mais aussi de coq, de cygne ou de corbeau), beaucoup plus souples, taillées à la main, utilisées depuis le VIe siècle

- à partir du XIXe siècle, les plumes métalliques.

Vient de "pocher", qui dans les beaux-arts, signifie exécuter rapidement et couvrir d'aplats de couleur, comme lorsqu'on travaille au pochoir.

Une pochade est une peinture figurative de petit format, exécutée rapidement, sur le vif et généralement en extérieur, l'équivalent d'un croquis en dessin.

En peinture, photographie, dessin ou au cinéma, place du spectateur par rapport à l'oeuvre et endroit d’où est vue la scène représentée.

En sculpture, déplacement du spectateur autour d'une oeuvre en trois dimensions.

Technique très ancienne, connue depuis l’Antiquité, consistant à tracer les lignes du dessin avec un stylet métallique pointu en argent, or, cuivre ou plomb, sur des supports (papier ou parchemin) préalablement enduits au pinceau d’une préparation spéciale à base de pigments de couleur et de blanc d’Espagne ou de poudre d’os liés par une colle. La pointe d’argent, employée sur des papiers teintés, ainsi préparés, laisse une marque grise, qui s’oxyde en brun avec le temps. Le trait, précis et délicat, ne peut s’effacer ; il s’agit d’une empreinte qui s’inscrit en creux sur la feuille. Les ombres ne peuvent être obtenues qu’à l’aide de hachures parallèles ou croisées. Des rehauts de blanc, exécutés à la gouache, appliqués au pinceau ou à la plume, sont souvent associés à ce procédé, qui fut utilisé avec virtuosité par les artistes de la Renaissance, notamment par Albrecht Dürer.

Poly = plusieurs + chrome = couleurs : oeuvre composée de plusieurs couleurs différentes.

S'oppose à monochrome et achrome.

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Tableau à plusieurs volets se rabattant les uns sur les autres.

Représentation d'une personne, autre que l'artiste sous forme dessinée, gravée, peinte, photographiée, sculptée, numérisée.

  Le maître sculpteur modèle la terre pour obtenir une sculpture qui est ensuite moulée en plâtre à reproduire par un atelier. Le maître est donc libéré de la réalisation de son œuvre qui est effectuée par des assistants :

• Le metteur au point : il taille le bloc pour approcher la forme à 2 ou 3 cm du fini.

• Le praticien : il sculpte la forme exacte au marbre ou à la pierre en respectant le modèle en plâtre. Il s'agit souvent d'un excellent sculpteur mettant son savoir-faire au service d'un maître.

Les pratiques bidimensionnelles concernent les domaines du dessin, de la peinture, de la photographie, des estampes, du collage.

Voir le document sur le lexique des pratiques en arts plastiques sur Eduscol

Les pratiques tridimensionnelles concernent les domaines de la sculpture, de l'installation ("in situ" ou pas), de l'architecture, du design. Les pratiques tridimensionnelles jouent avec le plein et le vide, investissent l’espace, prennent vie avec des matériaux divers, sous des gestes variés, répondant à des intentions propres à chaque artiste.
 

Voir aussi à assemblage, modelage, moulage, taille directe, sculpture, architecture, bas-relief, haut-relief, ronde-bosse, et installation.

Voir le document sur le lexique des pratiques en arts plastiques sur Eduscol

Voir aussi à représentation. Ces deux mots ne s'opposent pas, ils se complètent.

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Le qualificatif « primaire » est à rapprocher de « premier » comme dans nombre premier, les couleurs primaires sont les couleurs de base, à partir desquelles l'artiste peut produire les autres couleurs (secondaires et nuances).

Voir aussi à:

• couleurs
• cercle chromatique

Le processus d'élaboration et de création d'une oeuvre se déroule en de multiples étapes : idée ou intention, projet, croquis, esquisses, conception d'ébauche, genèse, réalisation ou fabrication, production, présentation, exposition, réception (par un spectateur), diffusion (par les reproductions), conservation.

À la Renaissance, la peinture n’est plus simplement l’affaire des artistes. Les princes et les mécènes engagent souvent des érudits qui fournissent aux peintres ce que l’on nomme habituellement une invenzione (autrement dit un sujet) ou un programme.

ou art protocolaire

Né avec l'art conceptuel, le protocole artistique est un ensemble de règles que donne(nt) un ou plusieurs artistes pour réaliser leur(s) œuvre(s). Synonymes : « mode d’emploi », « marche à suivre », « recette », « feuille de route »

Une couleur rabattue est une couleur pure à laquelle on a rajouté du noir, elle devient donc plus foncée.

Aspect d'un objet ou d'un corps vu en perspective quand sa représentation en dessin en peinture ou dans le bas relief, subit une déformation par rapport à la vérité géométrique dans le but de rendre une apparence de relief.

Voir à photogramme.

Le rayogramme est une image photographique obtenue sans utiliser d’instrument photographique, en posant des objets sur une surface photosensible (papier photo ou film) et en l’exposant ensuite directement à la lumière.

Le papier sera noircit là où la lumière pourra être en contact, et restera blanc en dessous des objets ou formes posés sur le papier. Tout le jeu des nuances de gris est obtenu selon la matérialité des objets ou formes utilisés (opaques = blanc ; translucides = nuances de gris ; totalement transparents = noir).

Man Ray est très connu pour avoir exploré cette technique. http://indexgrafik.fr/man-ray-rayogrammes/

Objet manufacturé promu au rang d'objet d'art par le seul choix de l'artiste. Notion élaborée par Marcel Duchamp en 1913. Le ready-made peut être « aidé », « assisté » ou « rectifié » par certaines modifications.

Désigne un mouvement artistique, ne regroupent que quelques artistes qui gravitent autour du peintre Gustave Courbet. Le mot même de "réalisme" apparaît, en 1836 dans la chronique de Paris, sous la plume de Gustave Planche.

Les artistes réalistes représentent la nature, telle qu'ils la voient et la vie quotidienne. Il est possible, parfois, d'y déceler un désir d'ennoblissement du monde quotidien.

Du latin médiéval realitas, du latin classique realis, de res, chose

« La reconversion est une rénovation avec un changement de programme, comprenant une réaffectation, une redistribution ou une requalification des espaces. Le monument est en quelque sorte recyclé dans la société, réutilisé, réemployé. […] Le recensement montre que tous les types de bâtiments sont susceptibles de subir une réaffectation. »

Du latin médiéval realis, du latin classique res, chose

Au XVII^ème siècle, l'Europe est divisée par la Réforme : le Nord adhère au Protestantisme, le Sud au Catholicisme. Les artistes réalisent alors des oeuvres qui glorifient les positions religieuses de leurs commanditaires.

Se dit d'une composition qui s'organise en bandes horizontales. Chacune de ces bandes s'appelle un registre et peut être nettement séparée les unes des autres par des lignes, ou simplement superposées sans ligne de séparation.

Touches claires appliquées sur un dessin pour en éclairer certains éléments. Des rehauts de blanc exécutés à la craie, à la gouache, au pinceau ou à la plume, permettent de représenter des reflets et des éclats de lumières. Les rehauts peuvent parfois devenir la technique prédominante pour dessiner à la fois les formes et les contours sur une feuille de papier de couleur sombre.

Le verbe rehausser désigne également l’action de colorier : un dessin, tout d’abord dessiné au trait, est rehaussé lorsque il est ensuite peint en couleur.

Changement visible apporté dans un dessin ou une peinture au cours de son exécution. Cette correction du trait ou des couleurs est immédiate et spontanée, à la différence du repeint, fait après coup. L’artiste a pu tenter de dissimuler cette correction ou, au contraire, la laisser visible volontairement.

Œuvre semblable à un original et qui peut présenter quelques variantes. La réplique est réalisée sous le contrôle de l’auteur de l’œuvre ou à une époque proche de l’original comme c’est le cas pour les répliques romaines d’œuvres grecques.

Voir à copie

Voir aussi à présentation. Ces deux mots ne s'opposent pas, ils se complètent.

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Action de donner à voir l'être humain sous forme dessinée, peinte, gravée, photographiée, sculptée, numérisée, modélisée.

Procédés mécaniques (physique, chimique) comme la photographie ou le moulage pour obtenir un double exact de l'original.

Exposition présentant de façon récapitulative, parfois chronologique, les œuvres d'un artiste, d'une école, d'une époque...

Différents types d'ouverture de rideau de scène au théâtre

Ornement architectural en forme d'arabesque végétale. « Arabesque de feuillages, de fleurs ou de fruits sculptée ou peinte servant d'ornement en architecture ou dans les arts décoratifs » Dictionnaire culturel en langue française, sous la direction d'Alain Rey, p. 340, tome IV.

L'art roman se décline en architectures, sculptures et la peintures.

L'architecture romane est un style architectural essentiellement religieux, caractéristique du Moyen Âge européen. Il commence en 950, cohabite et se voit remplacé progressivement par l'art gothique ou ogival au cours du XII^ème siècle. L'élément caractéristique de l'architecture romane est l'emploi de la pierre pour les voûtes en berceau de plein cintre (parfois en berceau brisé) ou pour la voûte d'arête. Les murs sont recouverts de fresques représentant des histoires de la religion chrétienne, les chapiteaux des piliers et colonnes sont sculptés. Le tympan qui surmonte le porche d'entrée est lui aussi très historié. 

Une couleur rompue est une couleur pure que l’on a « dégradée ou modifiée » par l’ajout de sa couleur complémentaire en proportion plus ou moins importante.

Dans le champ de la sculpture, œuvre visible sous toutes les faces, isolée de son entourage, offrant la possibilité au spectateur, en tournant autour, de la découvrir sous tous ses points de vue.

Voir aussi à sculpture, bas-relief, haut-relief et pratiques tridimensionnelles.

Le premier Salon de 1667, organisé par l'Académie royale de peinture et de sculpture dans le salon carré (d'où son nom) du Louvre, regroupe pour une exposition commune des membres de l'Académie.
Le jury, favorisant une peinture conventionnelle, devient petit à petit un symbole de conservatisme, d'art académique. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, les critères de sélection d'admission au Salon sont contestés. D'autres salons et expositions indépendants se multiplient alors en marge du Salon officiel (comme par exemple, le Pavillon du Réalisme de Courbet). Le plus fameux est le Salon des Refusés de 1863 : cette année-là, 5 000 oeuvres avaient été soumises au jury du Salon, 3 000 oeuvres avaient été refusées. Devant la colère exprimée par les nombreux artistes frustrés, Napoléon III concède cet espace d'exposition.

Argile ferrugineuse de ton rouge, qui se présente soit sous forme de bâtonnet (tendre et friable, laissant une trace sur le support), soit sous forme de plaque ou de poudre (alors délayée dans de l’eau pour former un lavis appliqué au pinceau) ; terre rougie par l’oxyde de fer, appelé hématite, la sanguine, dont la teinte va du rouge orangé au brun violacé, doit son nom à l’analogie de sa couleur avec celle du sang.

Couleur pure, non mélangée, à son maximum d'intensité lumineuse.

Les couleurs rompues, rabattues et dégradées sont donc forcément désaturées.

Mots liés expliqués dans la vidéo ci-dessous : pointillisme ou néo-impressionisme.

Une scène de genre, en peinture, est un type d’œuvre peinte ou dessinée qui figure des scènes de la vie quotidienne. Elle est parfois appelée peinture de genre.

Son classement dans la hiérarchie des genres est assez bas, mais au XVII^ème siècle, Caravage en fera son thème de prédilection. C’est également un genre très apprécié dans les pays du nord de l'Europe (Van Eyck).

Le scénographe d'exposition est responsable de l’aménagement dans l’espace du discours rédigé par l’artiste, le commissaire ou le conservateur. Le scénographe d’exposition est celui qui construit la mise en forme spatiale du scénario, du scénarimage.

​

La scénographie est « l’art de concevoir et de mettre en forme l’espace propice à la représentation ou présentation publique d’une oeuvre, d’un objet, d’un évènement ».​

La sculpture (du latin sculptura, de sculpere, tailler, graver) est l'art de produire, des volumes en 3 dimensions et des reliefs, soit en taillant au moyen du ciseau la matière dure, telle que le bois, l'os, l'ivoire, l'ambre, le fer, toutes les pierres (marbre), soit en façonnant (modeler) une pâte molle (argile), soit en coulant (mouler ou fondre) des matières comme le plâtre, le bronze, la cire dans des moules ciselés ou modelés d'avance. 

Voir aussi à assemblage, modelage, moulage, taille directe, bas-relief, haut-relief et ronde-bosse, pratiques tridimensionnelles.

Lorsqu'on parle de série en art, on désigne le plus souvent : 

• une multitude d'œuvres, toutes liées par un mème thème (des multiples)
• un ensemble de figures plus ou moins semblables qui résulte de combinaisons ou d'un traitement répétitif systématique (des séries, évolutives ou répétitives).

Ce mot vient de l’italien sfumo (fumée) et s’applique en peinture à un effet vaporeux qui brouille les contours. Le sfumato participe à l'illusion de profondeur en estompant les détails et les contrastes dans les lointains. Il reproduit ainsi la perception de l’œil face à une espace réel. Ce procédé est mis au point à la Renaissance par Léonard de Vinci.

Elément qui supporte la sculpture. Selon sa forme, il porte différents noms : piédestal, piédouche, gaines… Le socle est un élément indépendant de la sculpture.

Selon la couleur du fond, certaines couleurs semblent avancer (être proches de nous), d'autres reculer (être plus éloignées par rapport au spectateur).

Voir à pinceaux

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Sculpture en ronde bosse représentant un être humain en entier généralement debout et en pied, parfois assis ou à cheval (statue équestre).

Les images qui nous entourent sont de différentes natures (peinture, photographie, vidéo...) et ont différents statuts (artistique, publicitaire, de communication...).

Certains artistes jouent avec ces différents statuts et brouillent parfois les repères !

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Le sténopé reprend le principe de la camera obscura : littéralement « chambre noire », et lui ajoute un dispositif de capture de l’image : une surface photosensible.

La camera obscura est le premier dispositif inventé qui permet de faire apparaître une image en deux dimensions.

Explications en vidéo : https://youtu.be/p25T7cB9N6A

Compléments sur le site de la Maison Robert Doisneau : http://www.maisondoisneau.agglo-valdebievre.fr/sites/default/files/fiche_pedagogique_-_stenope.pdf

Image, négative ou positive, d'un sujet dans un cadre de référence donné, telle qu'elle y est habituellement admise et véhiculée. Opinion généralisée et préconçue ne tenant pas compte des nuances, particularités et individualités.

ou recut ou mashup.

Montage de scènes de films ou de séries sorties de leur contexte mais avec un thème commun (contrairement au mashup) qui s’enchaînant rapidement pour créer une sorte d’essai vidéo.

Le support d’une œuvre bidimensionnelle, est l’espace sur lequel l’artiste intervient : une feuille, une toile, un mur etc. 

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol

Peindre sur le motif ou le vif (par opposition à peindre en atelier)

Peindre sur le motif ou sur le vif signifie en contact direct avec le modèle, le référent sous les yeux, devant soi. Ainsi, pour peindre un paysage, il faut être devant ce paysage, dans la nature et non entre les murs d'un atelier. 

Cette pratique donnera aussi naissance à un mouvement : le pleinairisme. La représentation du paysage évolue de manière sensible au XVIIIème siècle car on constate un engouement nouveau pour tout ce qui relève de la spontanéité.

Cette possibilité sera réellement offerte aux peintres grâce à une invention révolutionnaire : le tube de peinture en zinc.

Voir explications en image...

Relation entre deux figures géométriques qui se correspondent point par point de part et d'autre d'un repère central. La dissymétrie est une variante de la symétrie, une symétrie existante dont on s'écarte ; l'asymétrie est l'absence de toute symétrie.

La synecdoque est une figure de style (proche de la métonymie) qui consiste à employer un mot en lui attribuant un sens plus large ou plus restreint que son sens habituel. Ce mot entretient alors une relation d’inclusion particulière avec ce qu’il désigne. Le rapport d’inclusion peut être généralisant (le genre pour l’espèce ou la partie pour le tout) ou particularisant (l’espèce pour le genre ou le tout pour la partie).

La technique de la taille consiste à supprimer de la substance dans un bloc de matière (la gangue ou bozza) afin de lui donner une forme déterminée.

C'est le geste de la taille qui vient en premier à l'esprit, lorsque l'on parle du « noble travail du sculpteur ».

L'image de l'artiste faisant surgir une figure d'un bloc de pierre à l'aide de ses seuls maillet et ciseau symbolise la lutte que le sculpteur engage avec la matière muette pour lui donner une forme et un sens. La taille est la technique la plus difficile de la sculpture puisqu'elle n'autorise aucune erreur. 

Il faut distinguer deux procédés fondamentaux pour le travail de la pierre : la taille directe (technique de Camille Claudel) et la taille avec mise au point (technique de Rodin et de ses praticiens) qui connaît des progrès décisifs et un véritable succès au XIXe siècle.

La tapisserie est un tissu fabriqué sur un métier à tisser ou bien à la main, dont le tissage représente des motifs ornementaux. Cet art existe depuis l'Antiquité.

Le tissage se compose de deux ensembles de fils entrelacés, ceux parallèles à la longueur, les fils de chaîne, et ceux parallèles à la largeur, les fils de trame. Les fils de chaîne sont mis en place sous tension sur un métier, et le fil de trame est transmis par un mouvement mécanique de va-et-vient sur tout ou partie de l'ouvrage. La tapisserie est une réalisation textile décorative d'ameublement se classant dans les arts décoratifs.

Désigne ce qu’est la couleur : rouge, orangé, jaune, vert, bleu, violet, blanc, noir, gris, brun, rose...

Technique de peinture utilisant de l'eau mais aussi l'oeuf ou la caséine ou la colle de peau comme liant.

C’est la peinture à l’eau la plus ancienne, elle était utilisée par les égyptiens, les byzantins ainsi qu’à l’époque médiévale, puis elle a cédé sa place petit-à-petit au XV^ème siècle à la peinture à l’huile. Cette technique permet une grande qualité de conservation.

Souvent confondue avec la détrempe. Le mot Tempera vient du latin temperare qui signifie délayer, mélanger. Ce terme est souvent, par erreur, traduit en français par détrempe, d'où cette confusion.

Caractère de ce qui est dans le temps, qui a une valeur temporelle.

La temporalité est le plus souvent conçue comme la manifestation d'une logique historique et continue passé, présent et futur.

• Le temps du récit, de la représentation
• Le temps du faire, du processus
• Le temps visible : le mouvement suggéré ou réel (animation, cinéma)
• Le temps représenté : les vanités
• Le temps du spectateur (attention, observation, immersion, époques)
• Le temps de conservation : les oeuvres éphémères
• Les temporalités cycliques : antiquité, art classique, art néo-classique

Voir aussi à temps

• Le temps peut être lié à la narration. La narration est l’acte de langage par lequel on raconte quelque chose. Les éléments du langage des arts plastiques permettent ainsi de raconter de manière visuelle. La relation entre narration et temps est évidente dans un film, une vidéo ou une bande dessinée (accélération ou ralentissement dans la narration). La Tapisserie de Bayeux, 70 mètres de long, réalisée au XIe siècle retrace l’histoire mouvementée de la conquête du trône d’Angleterre par Guillaume le Conquérant.

• Le temps représenté dans l’œuvre peut être suggéré par un mouvement, la vitesse, par une répétition d’un même personnage évoquant un déplacement (dans les œuvres du mouvement futuriste, par exemple). Le temps peut être arrêté tel un instantané photographique (Le Sacre de Napoléon, David 1806-1807). L’œuvre peut rendre compte de moments fugaces (Série des Meules, Monet, plus d’une vingtaine de toiles vers 1890).Dans le cas d’une image fixe, le spectateur (re)construit mentalement le récit, à partir d’une répétition de formes, la mise en scène de personnages, le hors champ, une action arrêtée, une profusion de détails, une succession d’événements, l’organisation dans l’espace de l’œuvre etc. Il est possible également de faire cohabiter plusieurs temps dans un même espace, comme cela est l’usage dans les représentations du Moyen Âge.

• Le temps est également celui de la création de l’œuvre, pouvant être rendu lisible par l’artiste. Il est également celui qui s’écoule depuis la création de l’œuvre, qui peut occasionner des changements, parfois voulus comme dans certains bâtiments en architecture par exemple ou encore des altérations nécessitant une restauration.

• Le temps est celui de la contemplation de l’œuvre par le spectateur.

Voir aussi à temporalité

Voir le document sur le lexique des 9 notions en arts plastiques sur Eduscol

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Action de théâtraliser, de donner de la théâtralité ou de donner un aspect ou un effet théâtral.

Voir théâtralisation

En photographie argentique, c'est le passage du négatif au papier photosensible.

Cette étape nécessite un laboratoire avec une lampe inactinique (du grec ancien ἀκτίς, ἀκτῖνος, aktis, aktinos « rayon » avec le préfixe in- et le suffixe -ique. Lampe spéciale (rouge ou jaune-vert), un agrandisseur et différents bains pour fixer votre photographie sur le papier.

Voir compléments sur https://www.parisphoto.com/glossaire/Tirage/

et explications en vidéo : https://youtu.be/pGCqYx6YtLM

Voir aussi en sculpture : tirage à l'épreuve ou d'épreuve

 https://www.profartspla.info/index.php/cours-2/64-glossaire/1138-tirage-a-l-epreuve 

Désigne la modification d’une couleur dans sa valeur : clair, foncé, sombre, obscur, moyen, vif, opaque, transparent, mat, brillant ...

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ou couleur locale

Désigne la couleur propre d'un objet, sans tenir compte des valeurs accidentelles de la lumière.

Le ton local se présente comme un élément fondamental de la structure de base de la peinture, comme on peut parfaitement le voir dans la peinture égyptienne, dans la peinture murale romaine ou dans les images d'Épinal. Il en va de même dans la peinture murale médiévale comme dans la peinture flamande de chevalet du xv^ème siècle.

Couleur occupant une surface très réduite par rapport à une dominante. Elle peut être la complémentaire. Une couleur très saturée amplifiera ce rôle.

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Voir à Ordres architecturaux

Manière de poser et de travailler la pâte sur son support ; quantité de peinture appliquée à chaque fois.

Se dit d'une photographie ou d'un dessin, par exemple, montrant la trace, le souvenir, la mémoire d'une oeuvre disparue (détruite ou éphémère). Le statut est alors documentaire et non artistique. 

Le trattegio (ou tratteggio) consiste à utiliser de fines hachures pour construire un modelé, indiquer des ombres et des lumières, nuancer des couleurs.

Technique qui consiste à pousser le réalisme d’une peinture le plus loin possible pour que le public puisse la confondre avec la réalité. Les trompe l’oeil sont de véritables prouesses techniques qui représentent souvent des effets de perspectives.

En architecture, le tympan (du grec ancien, τύμπανον, tumpanon, « tambour ») désigne l'espace semi-circulaire d'un portail, compris entre le linteau et un arc plein-cintre ou une voûte d'ogive, et également, un panneau menuisé surmontant ce portail. Il est surmonté par des archivoltes.

L'art urbain ou street art, est un mouvement artistique contemporain. Il regroupe toutes les formes d’art réalisées dans la rue, ou dans des endroits publics, et englobe diverses techniques telles que le graffiti rapide sur mur, la réclame, le pochoir, la mosaïque, le sticker, l'affichage, voire le yarn bombing ou les installations. C'est un art parfois éphémère dont il ne reste que des traces photographiques ou vidéos, vu par un large public, y compris non initié ou non volontaire.

Qualité d'un ton, plus ou moins foncé, plus ou moins clair, sa position dans l'échelle entre les tons sombres, ou ombres, et les tons clairs, ou lumières. La valeur d'une couleur se modifie en lui ajoutant du blanc ou du noir ou en la diluant.

Voir aussi à nuance et modelé

Une vanité est une nature morte allégorique qui symbolise le caractère éphémère de la vie humaine. Les vanités sont très répandues à l'époque baroque (XVII^e siècle). Le terme de vanité est issu de l'Ancien Testament (livre l'Ecclésiaste). On y trouve la phrase traduite du latin  « vanitas vanitatum omnia vanitas  Vanité des vanités, tout est vanité ». 

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Qui n’a pas de réalité matérielle (image numérique par exemple).

Au Moyen Âge, les procédés de fabrication du verre ne permettaient pas d'obtenir des panneaux de grande taille. Pour vitrer les fenêtres, les verriers utilisaient donc des morceaux de verre sertis dans un réseau de plomb.

Voir le cours sur le vitrail sur ce site : http://www.profartspla.info/index.php/cours-2/college/niveau-5/62-le-vitrail

Le white cube (cube blanc), est, pour la muséologie, un type d'espace d'exposition qui a la forme d'une grande enceinte aux murs blancs, généralement refermée sur elle-même par l'absence de fenêtres. Apparu dans les années 1970, théorisé par Brian O'Doherty, il vise, par sa propreté et sa neutralité (hors du temps, hors de tout espace définissable), à supprimer tout contexte autour de l'art que l'on y montre. Il s'est depuis généralisé à tel point qu'il est aujourd'hui considéré par les galeries et les musées comme l'espace d'exposition par excellence (espace d’exposition des œuvres d’art spécifique qui s’est imposé dans les galeries et les musées, en Europe comme aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale), ce qui ne va pas sans susciter des critiques : en s'apparentant à un laboratoire aseptisé, il participerait à isoler et stériliser l'art contemporain.